Nous nous adressons aujourd’hui aux élèves de Terminale afin de les aider à préparer leur examen du bac de français. Nous allons nous focaliser sur l’œuvre emblématique d’Olympe de Gouges, La Déclaration des Droits de la Femme et de la Citoyenne, qui figure bel et bien dans le programme du baccalauréat. Considéré comme un pilier du féminisme moderne, ce document donne matière à réfléchir sur les droits des femmes. Cette fiche de révision vous fournira une bonne compréhension de ce texte et vous aidera à exceller dans cette épreuve du bac.
La Déclaration des Droits de la Femme et de la Citoyenne a été rédigée en 1791 pendant la Révolution française, une période caractérisée par des bouleversements politiques et sociaux majeurs. Deux ans plus tôt, La Déclaration des Droits de l’Homme et du Citoyen a vu le jour, établissant les principes fondamentaux des droits et des libertés, mais ignorant les femmes, qui n’ont ni droits politiques ni reconnaissance juridique. Olympe de Gouges a rédigé cette déclaration pour contester cette exclusion et revendiquer l’égalité des sexes.
L’œuvre est structurée de manière très similaire à La Déclaration des Droits de l’Homme et du Citoyen, avec un préambule de 17 articles qui détaillent les droits fondamentaux que les femmes devraient posséder tels que la liberté, la propriété, la sûreté et la résistance à l’oppression. Consultez cette page pour en savoir plus sur La Déclaration des Droits de la Femme et de la Citoyenne d’Olympe de Gouges. L’auteure insiste sur le fait que les femmes naissent libres et bénéficient de l’égalité en droits avec les hommes, et que la société ne devrait pas les en priver.
Lors de l’oral du bac de français, l’examinateur peut vous demander la biographie de l’auteure de La Déclaration des Droits de la Femme et de la Citoyenne. Née Marie Gouze le 7 mai 1748 à Montauban, elle était la fille illégitime d’un dramaturge de la noblesse. À 17 ans, soit en 1765, elle s’est mariée avec Louis-Yves Aubry, un homme de 30 ans de plus qu’elle. Celui-ci meurt quelques mois plus tard. Son statut de veuve lui permet alors d’acquérir le droit de publier sans l’accord de son mari. Elle devint rapidement une écrivaine prolifique et une militante politique très active. Elle adopta le nom d’Olympe de Gouges en 1770 lorsqu’elle déménagea à Paris avec son fils.
Olympe de Gouges s’est engagée activement pour les droits des femmes, mais aussi pour l’abolition de l’esclavage. La vie de cette femme de lettres devenue femme politique redoutable est marquée par son courage et sa détermination à défendre l’égalité ainsi que la justice sous toutes les formes. Elle est morte guillotinée à Paris le 3 novembre 1793 pour ses prises de position politique durant la Révolution française.
Il est indispensable de lire l’œuvre dans son entièreté pour bien vous préparer à l’épreuve orale du bac de français. Toutefois, les articles cités ci-dessous sont à retenir impérativement puisqu’ils sont particulièrement marquants en mettant :
Ces articles clés illustrent la lutte pour l’égalité et la reconnaissance des femmes comme des membres à part entière de la société et de la citoyenneté. Ils constituent des points d’ancrage essentiels dans la compréhension de l’importance de ce texte révolutionnaire et de son impact sur les mouvements féministes à travers les âges.
La Déclaration des Droits de la Femme et de la Citoyenne ne se contente pas de réclamer l’égalité entre les hommes et les femmes, elle représente avant tout une critique directe de la déclaration très sexiste de 1798. En adoptant une structure d’écriture semblable, Olympe de Gouges souligne avec indignation l’exclusion flagrante des femmes de la sphère politique et sociale. En plaçant les deux documents côte à côte, elle soulève les lacunes de la Révolution française en matière de droits des femmes et défie les principes fondamentaux de la République naissante.
En plus de dénoncer cette injustice, l’œuvre propose une vision alternative et audacieuse où les femmes occupent une place tout aussi importante que les hommes dans la société. Le plaidoyer d’Olympe de Gouges en faveur de l’égalité n’est pas un simple idéal abstrait, mais un véritable appel à l’action. Elle exhorte les femmes à se mobiliser, à revendiquer leurs droits et à participer activement à la construction d’une société juste et égalitaire.
La vision de l’auteure était radicale pour son époque. Elle défiait les conventions sociales et juridiques profondément enracinées qui maintenaient les femmes dans une position subalterne. Cette déclaration représentait une rupture avec le passé et une ouverture vers un avenir où les femmes seraient reconnues comme des citoyennes à part entière.
Les romans dystopiques sont un sous-genre de la littérature de science-fiction. En général, ces romans montrent une société future tombant dans une situation déplorable ou dictatoriale pour diverses raisons. En substance, il présente un monde de cauchemars et d’oppression, dans lequel les personnages doivent survivre du mieux qu’ils peuvent, en l’acceptant ou en le transgressant. C’est donc le genre opposé aux contes utopiques. Les sociétés dystopiques présentées sont à l’autre bout des sociétés idéales, où règnent la paix et l’harmonie.
Le but des romans dystopiques est d’inviter le lecteur à réfléchir sur l’état actuel de la société occidentale. Sur les comportements destructeurs et autodestructeurs et leurs conséquences. Ce sont des outils qui permettent d’attirer l’attention des lecteurs sur ce que pourrait devenir l’humanité occidentale si on ne leur accorde pas l’attention nécessaire. Les débuts des romans despotiques remontent à la fin du XIXe siècle. Cependant, les classiques les plus connus ont vu le jour au milieu du XXe siècle. De tous les romans dystopiques, 1984 est sans doute le plus représentatif de ce sous-genre littéraire. En effet, son intrigue présente toutes les caractéristiques qui la définissent : totalitarisme, persécution des différents, conflits de guerre, fanatisme, etc. Orwell l’a écrit en 1949, en imaginant ce qui aurait pu être accessible dans l’année 1984, encore lointaine. Dans l’ouvrage, l’auteur imagine une société constamment contrôlée. Sa tâche consiste à réécrire l’histoire pour qu’elle corresponde aux int’érêts politiques de Big Brother. Et il le fait en éliminant des documents, en changeant les titres ou en modifiant les résultats des enquêtes et des études statiques, parmi de nombreuses atrocités. Le roman a été un succès et est toujours lu aujourd’hui. Beaucoup de gens pensent qu’Orwell a prédit de nombreux événements qui se produisent dans le monde aujourd’hui, comme la manipulation des médias, le contrôle des masses et la répression sociale de certains gouvernements.
Dans ce roman dystopique, la société occidentale est à son maximum de développement. Tout le monde est heureux, les guerres et la pauvreté ont été éradiquées, et l’humanité est même en bonne santé et a progressé d’un point de vue technologique. C’est presque une utopie, sauf que pour atteindre le bonheur, chacun a dû renoncer à beaucoup de choses : la famille, la science, la littérature, la religion, la philosophie. L’auteur a anticipé l’évolution des techniques de reproduction de notre époque, en la portant à l’extrême. Tous les nouveau-nés ont été fécondés in vitro et leur rôle dans la société à l’âge adulte est génétiquement déterminé. De plus, ils sont tous drogués avec une pilule qui leur donne un semblant de bonheur et un optimisme absolu.
Ce roman suit le même ton que les précédents, mais en ajoutant une critique sociale au traitement injuste des femmes. Après une attaque contre la Maison Blanche, un gouvernement théocratique et puritain est mis en place, qui restreint les libertés et les droits sociaux afin de réduire la violence et d’assurer la reproduction humaine. Tout cela parce que, pour des raisons inconnues, l’indice de fécondité mondial a chuté de façon exponentielle, ce qui fait que seul un très faible pourcentage de femmes ont des enfants. Les femmes sont sous-estimées et classées en fonction de leur utilité. Les épouses sont responsables du ménage, avec les commandants. Mars s’occupe des tâches ménagères. Les servantes sont les femmes fertiles, considérées comme importantes pour leur capacité de reproduction. Les tantes sont chargées de prendre soin des bonnes et de les instruire. L’histoire de ce roman suit la vie d’Offred en tant que servante dans cette société dystopique. Une vie pleine de harcèlement et d’injustice envers les femmes.
Un des romans les plus célèbres du prolifique Ray Bradburry dans lequel il présente une société dans laquelle la lecture de toute sorte est censurée. Et ce afin de maintenir les habitants dans l’ignorance, afin que le gouvernement puisse les contrôler plus facilement. Pour cela, il existe une équipe de pompiers dont le but n’est pas d’éteindre les incendies, mais de brûler les livres. Le titre du livre fait référence à la température en degrés Fahrenheit à laquelle le papier brûle. Le gouvernement ordonne de brûler tous les livres existants et arrête les lecteurs, car la lecture est une cause d’inégalité sociale, d’angoisse et de malheur. L’histoire met en scène un de ces pompiers. Au lieu d’utiliser des tuyaux d’eau, il est équipé d’un lance-flammes pour brûler tout ce qui pourrait encourager une pensée critique. Une combinaison de facteurs et d’événements fait que ce pompier se demande s’il est vraiment heureux. Cela l’amène à vouloir lire un livre et à découvrir ce qui est juste selon le gouvernement.
C’est l’un des romans dystopiques les plus récents et il présente un scénario post-apocalyptique. En raison d’une catastrophe non identifiée, peut-être une guerre nucléaire, les États-Unis restent isolés et improductifs. C’est précisément pour cette raison qu’il n’y a ni lois ni institutions sociales et que les quelques survivants ont à peine de quoi manger. Un contexte terrifiant, sombre et déprimant. L’histoire suit le voyage d’un père et de son fils à travers le paysage détruit à la recherche d’un but pour vivre. Au cours de leur voyage, ils rencontrent d’autres survivants, dont beaucoup sont des saprophages et des cannibales. Le père est également malade, il doit donc apprendre à son fils comment survivre par lui-même. Le scénario présenté par ce roman laisse le lecteur avec une profonde angoisse sur l’avenir.
On dit de Søren Kierkegaard qu’il a aimé Regine Olsen jusqu’au dernier jour de sa vie. Cependant, son premier but dans la vie était de se consacrer, corps et âme, à l’étude de la philosophie et de la foi chrétiennes. Le théologien et philosophe danois a toujours été confronté au fardeau de cette angoisse, à la souffrance de n’avoir jamais pu prendre ses distances par rapport à ses propres sentiments. Mais c’est aussi grâce à cette dichotomie qu’il a pu élaborer ce qui est devenu son héritage philosophique. Sa pensée est basée sur le point de vue de la foi. Sur l’idée que seule cette dimension religieuse permet d’atteindre le salut et de trouver un équilibre dans les moments de désespoir. Cette perspective était, à son tour, une réaction à l’idéalisme de Friedrich Hegel. Néanmoins, le philosophe est également devenu célèbre pour ses critiques des institutions religieuses qui, selon lui, agissaient avec hypocrisie. Certaines de ses œuvres telles que La peur et le tremblement, Miettes de philosophie ou Le journal du séducteur sont utiles pour comprendre le dualisme qui a conditionné toute sa vie. L’amour, la souffrance et une passion inconciliable avec la nécessité de se consacrer à la théologie ont marqué, jour après jour, la vie tumultueuse de l’une des figures les plus pertinentes et les plus intéressantes de l’histoire de la philosophie. Ainsi, alors que l’église danoise a proposé la vision d’un Dieu rationnel qui récompense les bonnes œuvres, le Dieu de Søren Kierkegaard ne veut pas de dévotion, mais répond seulement à la peur. Sa philosophie a jeté les bases de l’existentialisme du XXe siècle. Elle a mis en évidence, comme aucune autre, la subjectivité humaine et l’individualité de l’individu par opposition aux masses. Elle a inspiré des penseurs comme Jean-Peal Sartre, Friedrich Nietszche et Albert Camus.
Søren Kierkegaard est né à Copenhague en 1813 au sein d’une riche famille. Son père, Michael Pedersen Kierkegaard, était un paysan commerçant du Jutland avec un fort sens religieux. Sa mère, Anne Sorensdatter Lund Kierkegaard, était l’une des servantes de la maison lorsqu’elle est tombée enceinte, un fait pour lequel Michael Kierkegaard a vécu toute sa vie dans l’angoisse du péché. Le jeune Søren a fréquenté l’école de la vertu civique et s’est ensuite inscrit à la faculté de théologie de l’université de Copenhague pour suivre les souhaits de son père. Il faut cependant noter que le jeune homme a toujours montré un vif intérêt pour la philosophie et la littérature. Un autre des événements marquants de sa jeunesse est sa rencontre avec la jeune Regine Olsen, âgée de quinze ans, qui lui a promis de se marier après avoir terminé ses études. Cependant, lorsque son père est mort en 1838, Søren a fait une autre promesse : il deviendrait berger, consacrant sa vie à Dieu et à l’étude. Le poids de ce lien a été l’ancre qui a fait que sa vie amoureuse a été irrémédiablement bloquée. Il a rompu ses fiançailles avec Queens, lui a fait rendre la bague et s’est installé peu après à Berlin. Les dix prochaines années seront les plus productives dans la vie du jeune théologien. Les œuvres auxquelles il a donné naissance durant cette période sont sans aucun doute parmi les plus célèbres et les plus significatives de l’histoire de la littérature.
En 1943, il publie six ouvrages. L’un d’entre eux est Fear and Trembling, où il a élaboré un sujet qu’il présentera à nouveau dans la plupart de ses œuvres : l’amour pour les reines. Dans ses écrits, il s’est laissé aller à un sentiment de culpabilité et de douleur qui se heurte à un sens dévoué de l’obéissance à la religion. Cette même année, à son retour à Copenhague, il découvre que la jeune femme vient d’épouser Fritz Schegel. Cela a brouillé toute chance de les réunir. Le sentiment qu’il avait lui-même retenu se présente maintenant à lui sous la forme d’une réalité encore plus douloureuse et insondable. Les mois suivants se sont cependant avérés, peut-être pour cette raison même, encore plus fructueux d’un point de vue littéraire et philosophique. Prenez, par exemple, les travaux centrés sur la critique des théories de Georg Wilhelm Friedrich Hegel. Des livres mettent en évidence les pensées et les réalités émotionnelles que toute personne éprouve face à l’adversité. Sentiments dont il a lui-même, plus d’une fois, fait l’expérience directe. Søren et son frère Peter étaient en fait les seuls survivants d’une famille mise à genoux par une terrible série de tragédies. Leur père les a progressivement convaincus qu’ils étaient victimes d’une malédiction, née de l’ombre du péché qui pesait sur eux et qu’ils étaient condamnés à une mort prématurée. Malheureusement, une grande partie de la “prophétie” s’est réalisée. Car, bien que plus chanceux que les frères qui l’avaient précédé, Søren est également mort jeune, à l’âge de 42 ans. La cause du décès n’a jamais été révélée. On sait qu’il souffre d’une forme de handicap et que sa santé a toujours été mauvaise. Cependant, les difficultés qu’il a rencontrées dans la vie ne l’ont pas empêché de nous laisser un héritage littéraire et philosophique inestimable. Un détail intéressant à noter autour de sa mort, d’ailleurs, est que Kierkegaard a décidé, malgré tout, d’inclure Regina dans son testament.
William James avait l’habitude de citer une des phrases les plus célèbres de Kierkegaard : “la vie ne peut être comprise qu’à l’envers mais doit être vécue à l’envers”. Le jeune Danois était le philosophe et le théologien de la subjectivité. Même si, à première vue, il peut sembler que chacune de ses œuvres soit imprégnée d’un certain fatalisme et d’une forte négativité, on ne peut pas réduire sa pensée à cela seul. Kierkegaard savait que vivre, c’est choisir. Il a fait valoir que, par chaque décision, notre existence est façonnée, définissant qui nous sommes et ce que nous laissons derrière nous. Il s’est également efforcé de faire comprendre aux gens le sens de l’angoisse et de la souffrance. L’expérience de la douleur est en effet essentielle pour tout être humain, et la seule façon de la soulager est, dans sa vision, de faire appel à la foi.
Tout au long de sa vie, Søren Kierkegaard a signé ses œuvres en utilisant divers pseudonymes tels que Victor Eremita, Johannes de Silentio, Anti-Climacus, Hilarante Bookbinder ou Vigilius Haufniensis. Ce n’était pas une habitude d’auteur, mais un choix avec un but précis : représenter différentes façons de penser. Cette pratique a donné lieu à ce qu’il a appelé la “communication indirecte”. Cette habitude lui a permis d’explorer de multiples points de vue différents des siens et d’atteindre ainsi le lecteur de manière plus riche et plus profonde. En même temps, un autre des objectifs du philosophe était d’enseigner comment la vie d’une personne pouvait être menée sur différents plans, trois types d’existence distincts :
Des personnages comme Albert Camus n’ont pas hésité à définir Søren Kierkegaard comme le philosophe de l’auto-ironie. Théologien, il défendait la foi par-dessus tout, mais il n’hésitait jamais à prendre parti contre l’Église danoise. Il a été forcé, dans sa jeunesse, de rejeter l’amour de sa vie, mais son sentiment n’a jamais faibli et a fait de ses reines la muse absolue d’une grande partie de son œuvre. Sans compter que, tout en exaltant la nécessité de cultiver un esprit religieux, il a lui-même mené sa propre vie dans une sphère d’existence à mi-chemin entre l’esthétique et l’éthique. Une autre caractéristique qui le distingue est son attachement à l’idée qui allait marquer l’œuvre d’autres grands écrivains comme Franz Kafka, Miguel de Unamuno ou le philosophe Ludwig Wittgenstein. Parlons du concept d’angoisse. Ce sentiment qui, selon Fernando Savater, ne se démodera jamais. Cet état d’esprit accompagne la prise de conscience soudaine du fait qu’il y a plus de routes devant nous. La conscience d’être libre, de sauter dans le vide ou de faire un pas en arrière pour chercher d’autres moyens d’aller de l’avant. Tout comme il existe des alternatives à la souffrance, nous devons également comprendre que ce sentiment nous aide à grandir. C’est pourquoi les enseignements de Søren Kierkegaard, comme vous pouvez facilement le deviner, resteront toujours d’actualité.
L’histoire de la philosophie n’est pas un appendice optionnel à la philosophie. Elle identifie les théories et les controverses principales de la philosophie ; elle canonise les grands penseurs et les textes de base de la discipline ; et elle définit les tendances et les périodes majeures de son évolution. De cette façon, elle fournit une définition implicite de la philosophie, en indiquant qu’être un philosophe veut dire être un successeur de Platon, Aristote et le reste, et perpétuer les pratiques que depuis le début de l’histoire de la philosophie, ces grands hommes ont laissé en héritage. Bien entendu, les désaccords sur la nature de la philosophie demeurent. Par exemple, les philosophes occidentaux récents ont avancé différentes définitions rivales : la philosophie est de l’analyse conceptuelle, ou la recherche des présuppositions ultimes des systèmes de pensée, ou la théorie des pratiques théoriques, ou la lutte de classe au niveau de la théorie, allusion à la conception de la philosophie qui était défendue par Althusser, et ainsi de suite. Mais ces définitions ne seraient pas rivales, si elles ne visaient pas à être des définitions de la même chose, et l’identification de cette même chose est effectuée par l’histoire de la philosophie. Ainsi ses catégories ne sont pas seulement appliquées rétrospectivement (et peut-être faussement) au passé. Son image du passé est traduite en la réalité du présent : la nature de la philosophie moderne est en partie déterminée par les présuppositions non examinées de l’histoire de la philosophie.
Une des choses qui peuvent sembler surprenantes dans ce passage est l’idée que l’histoire de la philosophie elle-même pourrait être en train d’effectuer en quelque sorte l’identification, dont tout le monde rêve, de l’objet précis que les conceptions multiples et au plus haut point divergentes de ce que peut être la philosophie sont censées représenter chacune à leur façon, ou peut-être dont elles représentent chacune un aspect différent. À première vue, en effet, ce que l’on peut attendre de l’histoire de la philosophie sur ce point semble être avant tout qu’elle produise un nombre peut-être encore plus grand de réponses différentes à la question posée, et certainement pas qu’elle nous rapproche d’une réponse déterminée susceptible de s’imposer de façon définitive comme étant la bonne. Il est probable que l’imagination philosophique est capable de se montrer, quand il s’agit de répondre à cette question-là, tout aussi inventive et imprévisible que quand elle est confrontée à n’importe quelle autre question philosophique. Et les philosophes qui se sont préoccupés explicitement de ce genre de problème ont souvent commencé par remarquer que les désaccords entre les philosophes sur la question de savoir ce qu’est au juste la philosophie étaient aussi grands et semblaient à peu près aussi irrésolubles que ceux qui se manifestent à propos de toutes les questions philosophiques usuelles. Si on est disposé, malgré tout, à accepter l’idée que l’histoire de la philosophie pourrait réussir à apporter finalement à la philosophie une réponse universellement acceptée au moins à une question, à savoir celle de son identité, l’objection évidente est que cela implique une conception de l’histoire de la philosophie qui n’est pas seulement d’un optimisme que rien ne semble justifier, mais également d’une espèce qui est au plus haut point contestable et généralement contestée fortement.
Philosopher, c’est donner la raison des choses, ou du moins la chercher ; car tant qu’on se borne à voir et à rapporter ce qu’on voit on n’est qu’historien. Quand on calcule et mesure les proportions des choses, leurs grandeurs, leurs valeurs, on est mathématicien, mais celui qui s’arrête à découvrir la raison qui fait que les choses sont, et qu’elles sont plutôt ainsi que d’une autre manière, c’est le philosophe proprement dit.
Les Philosophes des Lumières représentent le courant intellectuel majeur de la fin du XVIIème siècle et du XVIIIème siècle. Ce courant s’est développé dans toute l’Europe, mais a été créé en France. C’est un mouvement qui a pour but de sortir le peuple de l’obscurantisme par la connaissance. Les Philosophes des Lumières veulent mettre en avant la raison et l’expérience pour faire face aux préjugés et aux superstitions. Ils veulent remettre de l’ordre dans le monde, ils sont obsédés par la classification et donnent de plus en plus d’importance aux voyages. Ils croient aux progrès continus de l’humanité vers le bonheur.
Pour les Philosophes des Lumières tout le monde doit pouvoir connaitre ce qui amènera le peuple vers la raison, avec des idées telles que:
C’est pendant cette époque qu’est apparue l’Encyclopédie, qui est un regroupement de connaissances auxquels chacun doit avoir accès selon les Lumières. L’ouvrage fut censuré par le roi et l’Église car il contenait des idées compromettantes pour leurs privilèges. Les Philosophes de Lumières étaient donc ouverts au monde et étaient pour toute forme de liberté. L’un des points les plus importants de leur philosophie est l’usage de la Raison. Le rationalisme comme morale affirme l’autorité souveraine et universelle de la compétence de la raison. Tout ce qui n’est pas rationnel n’est pas raisonnable et tout ce qui n’est pas raisonnable doit être supprimé. L’usage de la raison en tant que principe intelligible assure au monde son unité que la raison ressaisit derrière l’apparence et la multiplicité. Selon la raison, les Hommes sont égaux par nature et tout peut être expliqué de façon rationnelle. Ainsi, la raison permet aux idées de transcender l’expérience. C’est en partant de ces idées que les Lumières remirent en question les sociétés européennes modernes par leurs ouvrages, vecteurs de leurs idées, qu’ils diffusaient majoritairement par le biais des salons, lieux de rencontre intellectuelle de la bourgeoisie et des élites du XVIIIème siècle. Enfin, les Philosophes ont inspiré les révolutionnaires, mais n’ont pas voulu la Révolution.
Auteur et chercheur en biologie, Mr Perrut parvient à mettre en relation ses multiples passions : littérature, sciences, histoire et technologies. Il évoque dans ses ouvrages tous les sujets qu’il affectionne.
Se former pour comprendre ce qui l’entoure : c’est le fonctionnement de ce biologiste, passionné par la recherche et écrivain polyvalent. Pharmacien de formation initiale, Mr Perrut a toujours eu un goût prononcé pour les apprentissages en autodidacte ou à l’université. Il est titulaire d’une vingtaine de diplômes dans des thèmes très variés. Il creuse tous les sujets pour lesquels il a un intérêt professionnel, personnel ou associatif. Gérontologie, médecine d’urgence, œnologie, biochimie, droit du travail… Il met son plaisir pour l’écriture au service de ses passions professionnelles et personnelles, dans des ouvrages techniques ou concernant son histoire familiale.
En 2003, Jean-Jacques Perrut publie « Risques et menaces biologiques » dans lequel il détaille la multitude d’armes biologiques depuis l’antiquité. Risques biologiques naturels à cause de l’insuffisance de vaccinations et risques biologiques accidentels dans l’alimentation et les biotechnologies. Il explique au lecteur comment le gouvernement doit agir pour défendre et protéger les hommes des risques de ces agents toxiques. En 2007, parait « Faut-il déboulonner la statue de Pasteur ? » Dans cet essai, il évoque de manière habile le rôle essentiel de Pasteur dans les découvertes scientifiques majeures, mais surtout il réhabilite la mémoire des scientifiques qui ont permis à Pasteur le succès de ses recherches. Il s’agit dans cet ouvrage de ne pas oublier que les grandes découvertes, souvent fruit du hasard, ne sont pas uniquement le fait d’une seule personne. Mr Perrut nous rappelle dans ces écrits l’importance de ne pas oublier cela.
Grand amateur de vins, il publie en 2016 « Le vin dans la Bible ». Il explique de manière originale le vin sacré à travers les histoires de la Bible et plus largement dans les trois grandes religions monothéistes. Natif du Beaujolais, il raconte en 2017 dans son livre « À l’ombre de l’auréole » l’histoire de sa famille. Dans cette biographie, il explique comment au milieu du XIXe siècle, des gens modestes aiment apprendre et poussent leur raisonnement scientifique au contact du saint curé d’Ars et de Claude Bernard. Il parvient à mettre en parallèle le quotidien rural et religieux avec la réflexion et l’approche scientifique.
Sur le papier, un blogueur voyage devrait être une personne qui voyage, qui aime le faire et surtout qui sait le faire et qui a décidé de faire de sa passion un métier. Pour distinguer un bon Travel Blogger d’un blogueur « commercial », il est essentiel de suivre un axiome très simple : « Je voyage donc j’écris ». Pour beaucoup, l’axiome est devenu : « J’écris donc voyage ». Des gens qui écrivent sur les voyages juste parce qu’on les envoie en voyage. Pour ceux qui suivent les blogs de voyage ou les sites des agences de voyage, vous tomberez sur un blog tour.
Le blog tour est un événement similaire au voyage de presse, mais fait avec des blogueurs, disons un voyage de presse 2.0. En théorie, il devrait avoir des caractéristiques organisationnelles différentes parce que les blogueurs et les journalistes font deux métiers complètement différents, mais ce n’est pas toujours le cas. Dans une tournée de blogs, un office du tourisme ou une entreprise quelconque décide d’un itinéraire à promouvoir par un groupe de blogueurs, soit en direct par le biais de récits sur les médias sociaux, soit plus tard par la publication de messages sur leurs blogs. La raison est de faire connaître votre produit, de faire passer un message à plusieurs personnes en même temps et de faire interpréter votre produit par des voix différentes selon le style éditorial et la façon de penser des blogueurs.
Du point de vue d’un blogueur, vous avez certainement l’occasion de visiter un lieu de travail, mais vous êtes généralement secoué d’un côté à l’autre par des programmes trépidants et souvent hors des sentiers battus. Que signifie « hors du créneau » ? La valeur ajoutée d’un blogueur est d’avoir un style personnel, un public défini, comme les voyages à dos, le luxe, la nourriture, donc si dans un événement vous devez rassembler des blogueurs qui écrivent d’une manière différente, vous comprendrez que chacun finira par faire des choses qui ne sont pas de son propre intérêt.
Maintenant, beaucoup diront : « Au lieu de remercier, vous faites un voyage aux dépens des autres ! Lorsque vous évaluez un blogueur de voyage, n’oubliez jamais que pour lui, le voyage est un travail et la normalité, ce n’est pas des vacances. Le Travel Blogger a fait des voyages un événement quotidien ou du moins un aspect très fréquent de sa vie. Cela dit, un blog tour est certainement un excellent moyen de connaître des aspects d’une région, d’une ile ou d’une ville que vous n’auriez pas facilement recherchée par vous-même ou de visiter des destinations que vous n’auriez pas mises sur votre liste.
Si le blog tour est à toutes fins utiles un contrat de travail, l’attitude d’un blogueur doit garantir le professionnalisme et l’équité. Il est une excellente opportunité, mais c’est certainement une façon stressante et passive de faire ce travail. Si votre rêve est de visiter un pays en particulier, vous pouvez aussi faire le travail inverse : construire un itinéraire qui a éventuellement un thème, comme les sports d’hiver, la plongée, la découverte d’un certain style architectural, tout ce qui pourrait vous intéresser, vous et votre public, et ensuite essayer de les convaincre de vous sponsoriser.
Si, comme souvent, les parrains sont issus de secteurs différents, vous devrez préparer différentes propositions personnalisées et ne pas toujours gérer la même. Habituellement, vous commencez à contacter un sponsor à un niveau macro, comme un office national ou régional du tourisme, mais il est difficile d’obtenir un parrainage complet pour le voyage d’une seule personne, à moins que vous ne lui offriez quelque chose d’inoubliable et que le sponsor ait le budget et le calendrier pour vous suivre.
Il est beaucoup plus facile d’approcher les petites entreprises, comme les chaînes d’hôtels, les auberges, les pensions de famille, les agences locales : avec les petits sponsors, la relation est plus directe et ils sont plus disposés à travailler avec vous. Maintenant, je vous demanderais : « Comment trouver toutes ces petites réalités ? » Étudiez ! Vous travaillez ! Je vous ai dit qu’il était possible de se faire sponsoriser un voyage, non pas que ce soit facile. Chaque blogueur a un style de voyage, donc dans ses voyages sponsorisés, il essaiera de voyager comme il l’a toujours fait, ou du moins à mon avis, il devrait le faire.
Pour faciliter la rédaction d’un projet, répondez à ces questions: Qui suis-je ? D’abord vous, puis le blog, décrivez votre point de vue sur le voyage, parlez avec des chiffres, ajoutez des infographies sur votre trafic, vous parlez à une entreprise, les entreprises aiment les choses concrètes. Si vous avez été cité par des sources faisant autorité, veuillez leur faire savoir, si vous avez déjà réalisé des projets similaires, donnez-leur la possibilité d’avoir une vue d’ensemble, mais ne soyez jamais trop verbeux.
Pourquoi voulez-vous visiter ce pays ou utiliser un de leurs services ? Montrez que vous êtes vraiment intéressé, que vous savez ce qu’ils proposent, que vous avez étudié, et non que vous spammez tous les sponsors possibles. Comment voulez-vous organiser votre voyage ? Ajoutez un itinéraire, des dates afin qu’ils puissent avoir une idée pratique de ce que vous voulez faire, décrivez bien votre « coupe du voyage ». Que voulez-vous d’eux ? Des idées claires et sincères ! Vous connaissez votre éventuel parrain, il sait ce qu’il vous propose et vous savez ce que vous aimeriez, demandez-lui ! Un service gratuit, un peu d’argent, une croisière, demandez, il n’y a pas de demande folle, il n’y a qu’une demande qui n’est pas soutenue par un travail adéquat, si tout cela en vaut la peine, osez !
Que leur donnez-vous en retour ? Soyez précis : définissez comment vous allez les citer sur les réseaux sociaux, si vous allez créer un hashtag, si vous prévoyez de faire une vidéo, quelques galeries de photos, combien de posts sur votre site, si vous allez ou non mettre un backlink, plus vous donnerez d’informations et plus on comprendra la valeur de votre travail, évidemment aussi dans ce cas, la créativité est le maître, sortez de la boîte, au moins un peu.
Même si le style veut sa part, présentez votre projet de façon claire, agréable, schématique et avec de beaux graphiques, n’oubliez jamais d’entrer vos contacts. Pensez toujours que vous ne devez pas vous ennuyer, mais la curiosité et le sentiment de professionnalisme se voient dans les détails ! J’espère que vous avez trouvé cet article intéressant, qu’il vous a aidé à en savoir plus sur le monde d’un blogueur professionnel de voyage, à comprendre concrètement comment ce travail est effectué et que derrière chaque voyage il y a des semaines de travail. Si vous avez des questions ou de la curiosité, n’hésitez pas à les écrire ici et je vous répondrai dès que possible.
Il est aujourd’hui devenu facile d’écrire des livres électroniques, de les commercialiser et de créer ainsi une source de revenus potentiellement lucrative. Sur Internet, il existe plusieurs plateformes sur lesquelles vous pouvez distribuer ou vendre vos ebooks. La plateforme KDP d’Amazon est particulièrement populaire auprès des auteurs de livres électroniques.
Le Kindle eReader est aujourd’hui un outil (un lecteur plus précisément) couramment utilisé par les acheteurs de livres numériques. Présentant un nombre de bouquins numériques qui ne cesse de croître, il compte parfois un peu plus de 100 000 nouvelles parutions en 30 jours.
Si vous voulez commencer comme auteur de livres électroniques Kindle, c’est très facile. Utilisez Kindle Direct Publishing pour télécharger facilement vos livres électroniques sur Amazon et les mettre en vente.
Notez bien que la plateforme KDP d’Amazon n’est pas le seul moyen de vendre ses livres électroniques en ligne. Si vous ne souhaitez pas cibler uniquement les utilisateurs de Kindle, vous pouvez également proposer vos œuvres numériques à la vente sur epubli, XinXii, Hugendubel, etc.
A-t-on besoin d’un éditeur pour vendre un livre électronique ?
Beaucoup aussitôt aux éditeurs quand ils pensent aux livres, mais ce n’est pas la même chose pour les bouquins électroniques. Si les ouvrages physiques sont imprimés et publiés par les maisons d’édition, les livres numériques n’en ont pas besoin. En ligne, vous pouvez également proposer et vendre directement votre papier sans passer par un éditeur.
Où publier ses livres électroniques ?
En ligne, plusieurs plateformes intéressantes sont disponibles. D’abord, vous avez les plateformes de publication directe comme Kindle (KDP) d’Amazon qui permettent également de consulter les best-sellers et thèmes populaires auprès des acheteurs. D’autres plateformes de distribution d’elivres sont également disponibles sur d’autre applis.
Les plateformes individuelles telles que epubli offrent aux auteurs un réseau de distribution plus libre. Ainsi, si vous vendez votre livre numérique sur le site, il sera également proposé sur de nombreux autres portails dédiés.
Gardez à l’esprit que les e-bouquins Kindle ne sont vendus que sur Amazon et ce dernier conserve ses auto-éditeurs. Le programme « Select » d’Amazon est à connaître si vous participez en tant qu’auteur de Kindle. Il vous empêche de vendre le ebook ailleurs, mais exclusivement chez Amazon. En contrepartie, le programme Select offre diverses possibilités de promotion à l’exemple des 5 jours gratuits par trimestre où vous pouvez donner votre ebook Kindle, de la participation à « Kindle Unlimited » ou encore le programme de location. Autre point intéressant : les auteurs qui vendent les plus de Kindle recevront régulièrement des primes d’environ 7 500 euros. L’engagement exclusif de Select est toujours valable pour un trimestre.
Pour commencer, il est recommandé de débuter sur Amazon, car le programme KDP est très transparent de plus, vous pouvez vous y faire un nom auprès des lecteurs en peu de temps avec le dispositif Select.
Quelle doit être l’étendue du livre électronique ?
La taille d’un livre électronique n’est pas déterminante au départ. Les bouquins numériques dits de niche peuvent parfois avoir 40 pages. Mais le prix doit correspondre à la quantité de contenu, afin que personne ne soit déçu par les lecteurs.
Avec le Kindle Ebook, vous pouvez modifier la taille de la police, de sorte que seule une valeur moyenne est donnée pour la taille du livre.
Si vous le souhaitez, vous pouvez également indiquer dans votre description le nombre de pages que le script Word comporte. Chaque personne intéressée pourra ainsi imaginer le volume exact du texte.
Peut-on publier des ebooks avec un pseudonyme ?
Oui, vous pouvez également vendre des livres électroniques sous un pseudonyme ou un nom de scène. Toutefois, si vous comptez le faire sur Amazon, votre vrai nom doit figurer dans les coordonnées bancaires afin que vous puissiez recevoir les paiements.
Pour utiliser un pseudonyme, vous ne devez pas choisir un nom d’auteur déjà existant ou le nom d’une personne publique. Il est également interdit d’inclure un titre universitaire tel que « Dru » ou « Prof. » dans votre pseudonyme.
Si vous souhaitez obtenir un nom d’artiste original, il est préférable d’utiliser Google pour tester s’il n’est pas déjà pris. Vous pouvez gérer jusqu’à trois pseudonymes en parallèle via la gestion des auteurs d’Amazon. En cas d’incertitude quant à la sélection, vous devez consulter un avocat.
À quoi ressemble l’empreinte ?
Le livre électronique a besoin d’une empreinte et avec le pseudonyme, il devient critique. Normalement, toute œuvre offerte au public doit comporter une notice qui permet de contacter personnellement l’auteur. Mais cela n’est pas possible avec un pseudonyme.
Si vous ne voulez en aucun cas donner votre vrai nom, il faut faire appel à un éditeur qui sera mentionné dans l’empreinte. Sinon, vous devez publier des ebooks avec votre vrai nom.
L’empreinte doit inclure les coordonnées avec une adresse et un mail, les auteurs des images utilisées (image de couverture, illustration…) et la mention indiquant que l’œuvre est protégée par des droits d’auteur.
Que faut-il considérer avec les droits sur le contenu ?
Vous devez être l’auteur du livre électronique, c’est-à-dire que vous ne devez pas copier des passages quelque part, utiliser des images étrangères et oublier de mentionner l’auteur, etc. Il est également interdit de diffuser des contenus préjudiciables aux jeunes ou extrémistes, mais aussi d’insulter les droits personnels d’autrui.
De même, lorsque vous utilisez de la documentation primaire et secondaire (recherche), vous devez nommer les sources dans des notes de bas de page ou de fin de document. Il y a également des éléments à prendre en compte lors de la citation. Par exemple, la citation ne doit pas être adoptée pour elle-même, mais doit servir un but.
Ce sujet est assez complexe et nécessite des recherches approfondies que ne pouvez pas faire. En cas de besoin, demander un conseil juridique.
Les éléments à prendre en compte lors de la rédaction
Vous pouvez facilement écrire l’ebook dans un programme de traitement de texte comme Word ou Writer. Bien sûr, il existe aussi des programmes spéciaux qui facilitent la rédaction de livres numériques, mais pour commencer, un logiciel classique sera suffisant.
Une fois le livre achevé, il faudra relire ou faire relire minutieusement (4 yeux en voient plus de deux) afin de détecter les fautes (orthographe et grammaire), formater le document et de préparer une table des matières. Pour un livre électronique Kindle, vous devez produire la table des matières générée automatiquement sans les numéros de page.
Les autres éléments à prendre en compte lors de la création d’un ebook sont disponibles dans la section d’aide de votre compte utilisateur KDP.
Le document Word est converti au format approprié lorsqu’il est téléchargé sur Amazon, vous n’avez rien à faire vous-même. Dans l’aperçu, vous pouvez voir à quoi ressemblera le document dans un Kindle eReader. Vous devrez peut-être procéder à quelques ajustements.
L’image de la couverture doit avoir une taille de 2 500 x 4 000 pixels afin d’avoir un aspect de haute qualité même en zoom. N’oubliez pas ; le titre et l’image sont lisibles et faciles à reconnaître dans le petit format de prévisualisation (90×144 pixels). C’est pourquoi il est recommandé d’utiliser une seule grande image pour la couverture avec le titre en gros caractères.
La page d’auteur est un outil de marketing que vous devrez utiliser. Elle peut être créée gratuitement via Author Central d’Amazon. Ici, vous devez vous présenter personnellement et surtout télécharger une photo de haute qualité.
Combien peut-on obtenir pour un ebook ?
Le prix du livre numérique est entièrement à votre charge. Garder à l’esprit qu’Amazon et d’autres portails de vente proposent un prix brut, ce qui signifie que la TVA de 19 % est toujours incluse dans le prix.
Si vous les déduisez, vous aurez le prix de vente net et vous recevrez au maximum 70 % de ce prix une fois l’œuvre vendue. Ces modalités sont quelques fois compliquées, l’idéal est de toujours se renseigner. L’idéal est de commencer avec des prix bas. Bien sûr, l’idée est gagner beaucoup avec l’ebook, mais si vous regardez les prix moyens des livres Kindle, vous remarquerez que nombreux sont très bon marché. La plupart des auteurs sont encore inconnus et commencent avec un prix bas.
Vous devriez vous en tenir à cela aussi. Votre premier bouquin numérique devrait se situer dans cette fourchette de prix assez abordable, à moins qu’il ne s’agisse d’un ouvrage de référence complet dans lequel vous avez fait beaucoup de recherches et d’autres efforts. Le prix peut alors être plus élevé.
Si votre premier travail compte environ 100 pages, vous devriez vous orienter vers un niveau de prix inférieur. De même, vous obtenez 70 pour cent du prix de vente net, le prix de l’ebook doit être d’au moins 1,99 euro.
Les revenus provenant de la vente de livres électroniques sont-ils imposables ?
Oui, les ventes sont considérées comme des revenus et doivent être taxées en conséquence. Vous devriez clarifier les détails avec votre conseiller fiscal. Publier le premier ebook n’est pas très dur d’un point de vue technique. Néanmoins, certains points sont considérés notamment d’ordre juridique et en termes de prix.
Une étude affirme que la lecture de Harry Potter aide à développer l’intelligence émotionnelle. Plus précisément, il stimule l’ouverture d’esprit et réduit les préjugés à l’égard des minorités. Dans une autre étude publiée dans la revue Science, on affirme que la fiction narrative stimule la théorie de l’esprit. La lecture, et pas seulement de la saga Harry Potter, semble favoriser le développement émotionnel. Et ce processus, à son tour, agirait sur les chances de succès au niveau personnel, social et professionnel.
Les recherches ont montré qu’il n’y a pas de différences majeures dans l’intelligence émotionnelle en général. Il y a cependant des différences dans les éléments qui la composent. La définition de l’intelligence émotionnelle peut sembler surprenante car le concept mêle deux notions que l’on a habituellement coutume d’opposer. On y trouve d’un côté le mot intelligence qui désigne la capacité de raisonnement et d’analyse et d’un côté le mot émotion qui désigne les réactions primaires difficilement contrôlables survenant suite à l’occurrence d’un événement bien précis ou dans certaines situations.
– Les hommes ne pleurent pas
Face à une perte, que ce soit la mort d’un être cher ou une rupture, la réponse interne naturelle est la tristesse. Il est plus acceptable culturellement d’exprimer la tristesse quand on est une femme. Classiquement, un homme va manifester en réaction de l’agressivité.
– Les hommes se mettent en colère
Dans les représentations communes, la colère est une réaction masculine et acceptée comme normale. Inversement, une femme qui explose est étiquetée hystérique.
– Les hommes n’ont pas peur
Au registre des émotions communément exprimées par les femmes, la peur en est une, au même titre d’ailleurs que la honte. L’expression de la peur étant considérée comme communiquant une faible dominance, reléguant celui qui la manifeste dans le clan des dociles et des soumis.
– Les femmes sont empathiques
L’empathie est la capacité à reconnaître ses émotions et celles d’autrui par l’intermédiaire de ce qui est dit, pensé et montré. Les femmes sont plus aptes à la ressentir.
Deux universitaires américains, spécialistes en psychologie, ont été les premiers à utiliser l’expression ” IE ” et la conceptualiser. Pour eux, l’IE se situe à l’intersection des cognitions et des émotions. Ils soutiennent que les individus varient dans leur capacité à traiter l’information d’une nature émotionnelle et leur capacité à établir un lien entre ce traitement émotionnel et la cognition générale.
Leur modèle initial comprenait 3 processus mentaux principaux :
Les auteurs ont ensuite révisé leur modèle et proposent aujourd’hui un cadre plus complexe dans lequel l’IE est un construit hiérarchique à quatre branches, chacune de ces branches représentant une catégorie de capacités :
1. La perception et l’évaluation, verbales et non verbales des émotions ;
2. La capacité d’intégration et d’assimilation des émotions pour faciliter et améliorer les processus cognitifs et perceptuels ;
3. La connaissance du domaine des émotions, compréhension de leurs mécanismes, de leurs causes et de leurs conséquences ; enfin,
4. La gestion de ses propres émotions et celles des autres.
1. La conscience de soi et la capacité à comprendre ses émotions. La capacité de reconnaître et de comprendre les humeurs personnelles, les émotions et les moteurs internes, ainsi que leur effet sur les autres. Les indicateurs de conscience de soi comprennent l’auto-assurance, l’auto-évaluation réaliste, et un sens de l’humour auto-dérisoire. La conscience de soi dépend de la capacité à surveiller son propre état émotionnel et d’identifier et nommer correctement ses émotions.
2. La maîtrise de soi. La capacité de contrôler ou rediriger les pulsions et les humeurs perturbatrices, et la tendance à suspendre le jugement et de réfléchir avant d’agir. Les indicateurs comprennent la fiabilité et l’intégrité, ainsi que l’acceptation de l’ambigüité et l’ouverture au changement.
3. La motivation interne. Un moteur interne qui va au-delà de l’argent et du statut, qui sont tous deux des récompenses externes : vision de ce qui est important dans la vie, le plaisir d’accomplir une tâche, la curiosité d’apprendre, un flux qui vient de l’immersion dans une activité. Une tendance à poursuivre des objectifs avec énergie et persistance. Les indicateurs comprennent une forte envie d’accomplissement, de l’optimisme à l’épreuve des échecs et un engagement organisationnel.
4. L’empathie. La capacité de comprendre la structure émotionnelle des autres. Une habileté à traiter les personnes en fonction de leurs réactions émotionnelles. Les indicateurs comprennent l’expertise dans la construction et le maintien du talent, la sensibilité interculturelle et le service aux clients. L’empathie concerne l’intérêt et l’implication dans les émotions des autres, la capacité à sentir ce qu’ils ressentent.
5. Les aptitudes sociales. L’habileté dans la gestion des relations et dans la construction de réseaux, ainsi qu’une capacité à trouver des points communs et de construire des liens. Les indicateurs des compétences sociales comprennent l’efficacité dans la conduite du changement, le pouvoir de persuasion, la création d’expertise et le leadership des équipes.
L’intelligence émotionnelle peut être décrite comme un type d’intelligence sociale qui permet à l’individu de gérer ses propres émotions et celles des autres ; de distinguer, utiliser et comprendre cette information émotionnelle et, par conséquent, de réguler ses pensées et son comportement. Il existe deux théories liées au développement de l’intelligence émotionnelle. Le premier affirme qu’il augmente avec les années et l’expérience. Le second, qu’il se développe pendant l’enfance pour se stabiliser au début de l’âge adulte. En tout cas, commencer à le pratiquer tout de suite peut être très positif. Il a été démontré que la formation à l’intelligence émotionnelle chez les enfants d’âge scolaire par le biais de programmes spécifiques ou d’une approche transversale offre les avantages suivants :
Si vous voulez développer votre intelligence émotionnelle en vous appuyant sur des livres ou la lecture, vous avez plus d’une chance. Imaginez-vous devant une librairie bien achalandée. La première étape consiste à choisir un sujet qui nous intéresse parmi le large éventail de romans. De cette façon, la création d’un lien avec un ou plusieurs personnages est presque inévitable. C’est ce lien qui développera notre empathie. Il s’agit donc de se mettre à la place du protagoniste, de comprendre ses états émotionnels et ce qui le pousse à agir ; bref, prendre un personnage comme référence et apprendre de lui est une façon indirecte mais agréable de développer l’intelligence émotionnelle. La deuxième possibilité est de s’orienter vers les rayons de la psychologie ou de l’auto-assistance. Bien que la section ne soit pas aussi étendue que celle des romans, nous y trouverons de nombreux ouvrages consacrés au développement des compétences ou des attitudes personnelles, y compris l’intelligence émotionnelle. Cette catégorie fournit au lecteur des informations directes ou des conseils d’action ; elle utilise souvent les personnages comme exemples, mais sans en faire les protagonistes du livre. Enfin, si vous avez l’intention de combiner les avantages des deux catégories, il existe une troisième option. Il s’agit de livres d’auto-assistance organisés sous forme de nouvelles. Ils sont conçus pour enseigner à travers les actions et les expériences des personnages ; leur façon d’aborder la vie ou les compétences sont, en fait, le thème central du livre.
Deux stratégies peuvent être utilisées pour travailler sur ce type de renseignement. Le premier est confié aux parents et utilise des techniques, des méthodes ou des actions directes qui servent de modèle. La seconde, moins directe mais tout aussi efficace, est la lecture. Qu’il s’agisse de contes de fées, de nouvelles, de bandes dessinées, de romans ou autres, ils aident les parents à développer les compétences sociales et émotionnelles de leurs enfants. La lecture, comme nous l’avons dit, exerce la théorie de l’esprit ; cette dernière est la capacité qui nous permet de réfléchir et de comprendre les états mentaux, le nôtre et celui des autres.
Rosemary’s Baby est probablement l’un des films les plus connus du réalisateur Roman Polanski. Et ce n’est pas seulement à cause de sa qualité cinématographique incontestable et de la terreur qu’il déclenche, mais aussi à cause des mystères qui l’entourent. Ce film a été tourné dans le même bâtiment où, un peu plus de dix ans plus tard, John Lennon aurait été assassiné, où Boris Karloff a vécu et est mort, et seulement un an avant que sa femme Sharon Tate ne soit assassinée. Rosemary’s Baby suscite encore aujourd’hui la terreur et le mystère. Polanski, à son tour, est l’un des réalisateurs les plus controversés de l’histoire, pris dans des questions juridiques, mais avec une production cinématographique presque sans précédent. Un jeune couple, des voisins extraordinairement inhabituels et une des grossesses les plus tragiques sont quelques-uns des éléments du film. Rosemary et son mari sont occupés à trouver un logement et à fonder une famille. Bien que les ambitions de son mari dépassent les attentes de la famille, le jeune couple se retrouve à vivre un enfer moins improbable qu’il n’y paraît. En résumé, Rosemary’s Baby est un long métrage qui nous emmène sur un chemin entre le fantastique et le rationnel, un chemin plein de pièges, de mésaventures et de claustrophobie. Et, bien sûr, c’est l’une des perles parmi les films d’horreur.
Le film nous accompagne sur un chemin incertain, prenant la liberté de soulever des doutes chez le spectateur et le laissant sur le fil du rasoir. Une corde qui frise l’agonie, l’asphyxie et même la claustrophobie, mais toujours entourée d’éclairs de rationalité. Et en parlant d’incertitude, déjà au XIXe siècle, Alarcón, l’un des plus grands savants d’Edgar Allan Poe, osait dire que la splendeur de l’écrivain américain résidait précisément « dans le fait d’être rationnel et d’aspirer à être fantastique ». Une affirmation selon laquelle aujourd’hui, quelques siècles plus tard, nous pouvons parfaitement nous adapter au long métrage de Polanski. L’incertitude, le doute et la terreur psychologique sont au cœur de Rosemary’s Baby. Polanski amène le spectateur à douter à la fois de la réalité et de la fiction. Les rêves sont-ils seulement cela ou sont-ils le fruit de la réalité ? Qu’arrive-t-il à Rosemary et à ses voisins ? Le spectateur n’a pas d’autre choix que de s’interroger sur ce qu’il voit à l’écran. Bien que les religions aient joué un rôle clé au milieu du XXe siècle, le film a été une véritable révélation, à la limite du blasphème. Cependant, en plein milieu de l’ère rationnelle et sceptique du XXIe siècle, le téléspectateur finit par se poser les mêmes questions que celles qui lui avaient été posées plusieurs décennies auparavant. Rosemary’s Baby démontre ainsi l’imperméabilité de son essence et révèle une terreur qui, loin d’être lue à la loupe d’une période historique donnée, continue d’effrayer et de déconcerter.
Entre l’impossible et le possible, entre le réel et l’irréel, le doute et l’hésitation sont la véritable clé de la terreur et du suspense du film de Polanski. La façon dont nous dirigeons notre regard, nous faisons prendre un certain point de vue à travers les plans et présentons les personnages à des moments clés n’a rien à voir avec l’époque ou les tendances, mais fait directement appel à la sphère psychologique. En bref, à notre avis, la terreur de l’inconnu et l’incertitude suscitée par le doute. Polanski n’a pas inventé les cultes sataniques, il est plutôt le fruit de notre propre réalité ; il n’invente pas un scénario, mais insère un point de départ connu. Comme s’il partait de la fin d’une comédie romantique, le réalisateur prend un jeune couple idyllique pour les dissoudre, les détruire et même les ridiculiser. Sans oublier le rôle fondamental du public qui donnera un sens à une histoire apparemment fantastique, mais plausible ; et pour cela il finira par douter de tout ce qu’il voit à l’écran.
Une grande partie du culte – ou de l’admiration – qui entoure le film réside dans les événements étranges qui l’ont accompagné. Comme nous l’avons déjà mentionné, le film a été tourné dans le Dakota Building à New York, initialement construit loin du centre névralgique de la ville. Avec le temps et l’expansion urbaine, il est devenu un bâtiment convoité par des personnes de haut rang et diverses personnalités du monde du cinéma, de la musique ou de la culture de masse. Tout semble indiquer que les scènes de tournage étaient une sorte de suicide. Sa femme a été tragiquement assassinée un an plus tard. Le compositeur de la bande sonore, Krzysztof Komeda, est mort peu après. Le personnage principal du film, John Cassavetes, est également mort peu après le tournage. On ne sait pas encore si Boris Karloff pratiquait ou non le spiritisme lorsqu’il résidait dans l’immeuble, mais quelques années après la fusillade, John Lennon est mort à l’entrée du Dakota, où il résidait. Les mystères infinis rejoignent le perfectionnisme de Polanski, un réalisateur qui n’a pas hésité à impliquer les acteurs dans des situations extrêmes. La protagoniste, Mia Farrow, a dû manger de la viande crue bien qu’elle soit végétarienne et a été contrainte de tourner une scène dans laquelle elle traversait une route qui n’était pas fermée à la circulation. Les véhicules que nous voyons passer à toute vitesse devant elle et freiner pour éviter de l’écraser ne sont pas une fiction cinématographique, mais bien réels. Pendant le tournage, la jeune actrice a également reçu des papiers de divorce de Frank Sinatra, et a dû faire face à plusieurs hostilités sur le plateau. Rosmary’s Baby est maudit non seulement pour les questions qu’il traite, mais aussi pour les mystères et les événements gênants qui ont caractérisé la fusillade.
Malgré tout, la terreur du film ne réside pas dans les anecdotes et les horreurs qui l’entourent, mais en soi. Il est rare de se retrouver devant un film qui dépasse les époques ou les modes, qui résiste au passage du temps et qui raconte quelque chose d’universel. Rosemary’s Baby nous montre en fait quelque chose d’universel, il utilise le cinéma et ses ressources stylistiques pour créer une atmosphère classrophobe, terrifiante et désespérée. Un résultat choquant et magnifique qui déploie tout l’imaginaire cinématographique, mais qui n’a obtenu qu’un seul Oscar, celui de Ruth Gordon pour son interprétation du rôle de Minnie Castevet. Malgré tous ces changements, Polanski a fait sien le scénario, créant une expérience onirique sans précédent qui interroge la réalité et le fantasme, déconcerte le spectateur et met en scène l’horreur. Sans aucun doute, nous avons affaire à l’un des meilleurs films d’horreur de tous les temps, un film pour lequel l’obsolescence ou l’âge n’ont pas leur place, mais qui fait appel au subconscient, à la sensation presque animale de « l’état d’alerte », comme si quelque chose d’exceptionnel se produisait en regardant le film.
John Carpenter est un réalisateur, scénariste, producteur et compositeur américain né le 16 janvier 1948 à Carthage, dans l’État de New York. Fort d’une carrière cinématographique s’étalant sur près de quarante ans, Carpenter a réalisé nombre de film d’horreur et de science-fiction qui ont acquis, au fil des ans, une renommée internationale. Réalisateur indépendant, il met en scène son premier long-métrage, Dark Star, alors qu’il n’a que 25 ans. Il signe deux ans plus tard un film d’action, Assaut, avant de se tourner vers un autre registre avec Halloween, la nuit des masques : l’horreur. Un genre qui deviendra vite son genre de prédilection. Halloween rencontre un formidable succès, aussi bien critique que commercial. Dès lors, la carrière de Carpenter est lancée, et les productions se succèdent, Hollywood lui ouvrant par ailleurs ses portes grâce à son nouveau statut de réalisateur rentable.
Fortement influencé par le cinéma, notamment par Howard Hawks et les films de science-fiction, John Carpenter est un réalisateur qui cherche à être invisible. Ses films se caractérisent ainsi par une réalisation et des scénarios dépouillés, des montages secs et sans artifices, une musique minimaliste. Metteur en scène polyvalent, Carpenter a d’ailleurs cumulé les fonctions les plus importantes sur la plupart d’entre eux : réalisateur, scénariste, compositeur. Au fil de sa carrière, il a progressivement imposé son style dans les registres de l’épouvante et de la science-fiction, au point d’être considéré comme le maître de l’horreur.
Aujourd’hui, nombre de ses films sont devenus des références du cinéma d’horreur et de science-fiction, notamment « New York, The Thing, Invasion Los Angeles ou encore L’Antre de la folie ». Si tous n’ont pas reçu un accueil critique favorable au moment de leur sortie, un grand nombre sont désormais considérés comme des films culte, Carpenter étant lui-même reconnu comme l’un des metteurs en scène les plus talentueux et les plus influents de son époque.
Halloween, un succès mondial qui a lancé la carrière de Carpenter. Quelque temps avant la réalisation du téléfilm, John Carpenter et Debra Hill se rendent ensemble au Festival du film de Londres pour assister à la projection de Assaut. Ils y font la connaissance des producteurs Moustapha Akkad et Irwin Yablans. Le second sollicite Carpenter pour réaliser un film d’horreur mettant en scène un psychopathe persécutant des gardiennes d’enfant. Enthousiasmé par le synopsis, le cinéaste accepte le projet, puis il entame l’écriture d’un scénario intitulé The Babysitter Murders avec Debra Hill. Plus tard, Carpenter déclarera avoir été inspiré par le film Psychose d’Alfred Hitchcock. Carpenter rebaptise ce dernier Halloween après une suggestion de Yablans, lequel souhaitait que l’action se déroule la nuit du 31 octobre. Cette fois, si le cinéaste fait appel à une actrice encore inconnue pour interpréter le rôle principal, Jamie Lee Curtisn, il compte pour la première fois dans ses rangs un acteur de renommée : Donald Pleasance, notamment connu pour ses rôles dans La Grande évasion et On ne vit que deux fois.
Réalisé, comme Assaut, en une vingtaine de jours, le troisième long-métrage de Carpenter sort aux États-Unis en octobre, dans le cadre du Festival international du film de Chicago. Si, au départ, la presse américaine ne semble pas convaincue, Halloween obtient d’excellents résultats au box-office. Petit à petit, les critiques commencent également à lui témoigner de l’intérêt, halloween devenant par ailleurs le film indépendant le plus rentable jamais réalisé. En France, John Carpenter obtient en le prix de la critique au Festival d’Avoriaz, alors que le film remporte la Licorne d’or au Festival international de Paris. Il est également nommé au Saturn Award du meilleur film d’horreur. Le thème musical principal d’Halloween est certainement le plus célèbre composé par Carpenter. Il est basé sur une rythmique (cinq temps dans une mesure) que le père du cinéaste lui avait apprise au piano quand il était enfant Il l’a rejouée en y ajoutant différents effets sonores.
Sitôt le film sorti en salles, le cinéaste enchaîne avec le tournage d’un film biographique consacré à Elvis Presley, Le Roman d’Elvis, sur un scénario d’Anthony Lawrence. C’est à ce moment qu’il rencontre Kurt Russell, qui joue ici le rôle du King : c’est le début d’une longue amitié et d’une fructueuse collaboration. Lors de sa première diffusion, l’audience du téléfilm est telle qu’elle dépasse celles de Vol au-dessus d’un nid de coucou et d’Autant en emporte le vent, diffusés à la même heure sur des chaînes concurrentes. Le Roman d’Elvis se voit par ailleurs nommé pour trois Emmy Awards et un Golden Globe, ce dernier dans la catégorie meilleur film pour la télévision. Le téléfilm bénéficiera d’une exploitation en salles en Europe, mais avec une durée ramenée à une centaine de minutes au lieu des trois heures du téléfilm d’origine.
Le succès de Vampires encourage Carpenter à poursuivre sa carrière de metteur en scène. Quelques années plus tard, le cinéaste est déjà de retour avec Ghosts of Mars, un film de science-fiction dont l’action se déroule sur Mars. Carpenter, qui n’avait pas situé l’action d’un film ailleurs que sur Terre depuis Dark Star, compose la bande originale et participe à l’écriture du scénario. Sorti aux États-Unis durant l’été, Ghosts of Mars partage fortement la critique et les spectateurs. De surcroît, c’est un échec commercial. Épuisé par le tournage et déçu par le score de son film au box-office, Carpenter déclare qu’il compte quitter Hollywood pour de bon. Après la sortie de Ghosts of Mars, le réalisateur s’accorde donc une longue pause, ne repassant derrière la caméra qu’en pour filmer un épisode de la première saison de la série télévisée Les Maîtres de l’horreur, intitulé La Fin absolue du monde (Cigarette Burns). Présentant des similitudes scénaristiques avec L’Antre de la folie, cet épisode est considéré comme l’un des plus réussis de la série. L’année d’après, il renouvelle l’expérience dans le cadre de la deuxième saison en réalisant l’épisode Piégée à l’intérieur (Pro-Life), qui est beaucoup moins bien accueilli.
John Carpenter ne revient au grand écran que plusieurs années après, soit presque dix ans après la sortie de son dernier long-métrage. Son nouveau film, The Ward, est une production indépendante dont le casting est presque exclusivement féminin, comprenant entre autres Amber Heard. À cette occasion, Carpenter revient à un genre qu’il affectionne particulièrement : l’horreur. The Ward est présenté dans le cadre du Festival international du film de Toronto. Il faut attendre le mois de juillet pour qu’il soit distribué aux États-Unis, alors que certains pays (dont la France) ne sont limités qu’à une sortie en DVD. Même si le retour de Carpenter était attendu de longue date, le film n’est pas bien accueilli par la critique, qui juge The Ward comme étant décevant et loin des « classiques » du cinéaste.
Même si les petits budgets l’ont parfois obligé à élaborer à l’avance ses plans de tournage, Carpenter prend la majeure partie du temps ses décisions sur le vif, de manière instinctive. Du coup, il refuse de passer par l’étape du storyboard avant de tourner une séquence. L’une des seules exceptions reste la scène du marchand de glace dans Assaut : Carpenter en a dessiné lui-même tous les plans en amont du tournage. Concernant les répétitions avec les acteurs, le cinéaste y consacre tout au plus deux semaines. Carpenter apprécie de travailler en studio, car tout peut y être contrôlé. Cependant, il estime que les tournages en extérieur « apportent quelque chose d’autre au jeu des acteurs » et aux scènes. Carpenter a réalisé la plupart de ses films en décors naturels. Assaut, Christine, Prince des ténèbres et Invasion Los Angeles ont été tournés presque exclusivement dans la ville de Los Angeles et dans sa proche banlieue. Vampires a été tourné au Nouveau-Mexique et L’Antre de la folie dans la région de l’Ontario, au Canada. Pour The Thing, une partie des séquences a été réalisée en studio tandis que d’autres ont été tournées en Colombie-Britannique.
Tout au long de sa carrière, John Carpenter s’est battu pour obtenir le contrôle artistique de ses films, le fameux final cut. Cela a été rendu possible grâce à sa collaboration avec le cinéma indépendant, qui accorde généralement une certaine liberté aux réalisateurs étant donné que les budgets alloués sont nettement plus faibles que ceux accordés par les grandes sociétés de production. Ce désir de contrôle induit que, sur le plan créatif, John Carpenter est un réalisateur « touche à tout ». Il a cumulé les fonctions les plus importantes sur quasiment tous ses films : metteur en scène, scénariste, acteur, compositeur et producteur. Sur Assaut, il a même assuré le montage. The Ward reste le seul film sur lequel Carpenter n’a pas officié à un autre poste que celui de réalisateur.
Au début du XXe siècle, les perspectives de progrès civil, social et économique se sont ouvertes pour l’Italie. Cependant, le journalisme et l’édition journalistique sont encore fragiles. Par conséquent, certains changements sont nécessaires pour le développement éditorial d’un journalisme.
Le niveau de vie dans les régions les plus développées du pays est élevé comme en Paris. Le réseau ferroviaire est en cours d’extension et le service postal est en cours d’amélioration. La circulation de l’information est accélérée par l’utilisation du télégraphe. Entre 1902 et 1903, les lignes téléphoniques interurbaines Milan – Rome et Milan – Paris sont mises en service.
En 1901, 48,7 % des Italiens étaient encore analphabètes. Sous la direction de Giolitti, ils sont entrés dans une condition de plus grande liberté, même si le droit de vote est reconnu à un nombre limité de citoyens ; il faudra attendre 1913 pour étendre le suffrage à toute la population masculine adulte.Mais dans l’ensemble, la communication par radio est faible, pas d’internet et pas de web.
Il Secolo », « Il Corriere » et le « Tribuna » au début du XXe siècle sont les seuls journaux qui tirent environ 100 000 exemplaires. La presse, en 1906, est remplacée par la Linotype : quatre-vingt-dix sont installées principalement à Milan. À Palerme, en 1900, le journal « L’Ora » est lancé, financé par le propriétaire Florio.
Au début du siècle, la physionomie, la structure et le métier du journal ont changé : il est passé au grand format avec une page divisée en cinq colonnes avec une foliation de six pages et, déjà en 1906, certains journaux « Il Corriere » en tête ont commencé à sortir avec huit pages, quelques fois par semaine.
Le journal est divisé par thèmes avec des titres ad hoc : la chronique de la ville, celle de la justice, à laquelle beaucoup d’espace est attribué, les nouvelles théâtrales, « les très récentes ».
Le roman annexe reste, mais n’apparaît plus en première page. Les nouvelles sportives sont plutôt occasionnelles et succinctes.
Le lundi ne sort pas dans les journaux du matin. La première page ne devient pas la page vitrine que Dario Papa avait essayé d’importer de New York : à la une se trouvent en effet l’information politiques, l’information culturelle et les correspondances d’un envoyé.
Le journal collectif est né, avec pour conséquence la division du métier dans les rédactions. Le rédacteur en chef est le poste hiérarchique le plus élevé dans le journalisme suivi par le rédacteur en chef, qui est son factotum pour la réalisation du métier du journalisme. Les envoyés spéciaux, les reporters et les critiques de théâtre et littéraires sont mis en valeur sur le travail des journalismes.
Le journaliste Stefani continue d’être la seule agence de presse nationale et fonctionne toujours dans des conditions rétrogrades. Pour l’information en provenance de l’étranger, elle a un accord avec le journaliste Wolff, qui est à son tour relié à Reuters. Contrairement aux journaux étrangers, tels que les journaux français, anglais et américains, où la différence entre les journaux de qualité et les journaux populaires est évidente, en Italie, les journaux choisissent la formule « pour tous », tandis que les hebdomadaires d’information et les magazines de variétés opèrent sur la voie de la diversité publique.
Elle accroît la diffusion des presses médias et écrites: la presse média et écrite féminine, de la presse média enfantine et de la presse média pour enfants. Alors que la presse média sportive n’en est qu’à ses débuts. Les premiers hebdomadaires sont consacrés au cyclisme.
C’est en 1896 que « La Gazzetta dello Sport » a été fondée par la maison d’édition Sonzogno, mais ce n’est qu’en 1919 qu’elle a été transformée en un quotidien. En 1908, la Fédération nationale de la presse italienne est née.
En 1900 et 1901 commence une extraordinaire saison de média et de journalisme d’opinion et d’information grâce à des célèbres certaines journalistes. Le journaliste Luigi Albertini, à la tête du « Corriere », le journaliste Alfredo Frassati à la « Stampa » et le journaliste Alberto Bergamini au « Corriere d’Italia ».
Le journaliste Albertini est lié à la droite historique, il sera toujours contre Giolitti et ses méthodes de métier et ses idées. D’un point de vue journalistiques, il s’est inspiré du journalisme anglais, en prenant pour modèle le « Times ». Au Corriere, en quelques années seulement, il dispose d’un réseau dense de correspondants dans les capitales européennes, parmi lesquels celui qui a été mis au jour pendant la guerre russo-japonaise est Luigi Barzini.
Le « Corriere » parvient à devenir en peu de temps le journal le plus riche et le plus précis du pays. En terme d’information, ses journalistes changent sa mise en page, qui devient plus vivante car la division de la page en six colonnes oblige à introduire certains titres, même si la mise en page reste sensiblement austère. Lorsque d’autres journalistes dans divers journaux commencent à publier des photographies, « Il Corriere » n’en publie pas plus de deux par numéro, s’ouvrant plutôt à de nouveaux sujets et informations, comme l’aviation et le sport.
Ce n’est qu’en 1900 qu’Albertini peut ordonner à Romussi (Siècle) de retirer des affiches et des posters les mots « le journal le plus populaire d’Italie ». Après une course-poursuite qui a duré près de trente ans, il dépasse.
Une autre figure marquante du journalisme de l’époque giolittienne est le journaliste Alfredo Frassati, le créateur de la métier de « La Stampa ». Contrairement à Albertini, il soutient Giolitti et différents sont la matrice culturelle et professionnelle. Le journaliste Frassati avait passé trois ans en Allemagne, ses modèles sont donc certains journaux allemands comme le « Frankfurter Zeitung ».
Le journaliste Alberto Bergamini, le troisième homme important de ce début de XXe siècle à la tête du « Giornale d’Italia », est responsable de la création de la troisième page. Bergamini a fait de son métier notamment de son journal une feuille de papier vivante, présentant certaines des intentions « américanisantes » de Dario Papa : l’information et les articles les plus intéressants en première page, des reportages de l’étranger mais aussi une riche chronique de la ville.
Le premier exemplaire de la troisième page de la journalisme est considéré comme celui publié le 10 décembre 1901, dans lequel le journaliste Bergamini réunit quatre articles critiques et d’information consacrés à la première représentation de « Francesca da Rimini » de Gabriele D’Annunzio.
« The Great Gatsby » (titre original « The Great Gatsby ») est le troisième roman de l’écrivain américain Francis Scott Fitzgerald (Saint Paul, 24 septembre 1896 – Hollywood, 21 décembre 1940). Il a été publié pour la première fois le 10 avril 1925 par l’éditeur Charles Scribner’s Sons, bien que l’auteur ait commencé à l’écrire en 1922. Le roman se déroule à New York et à Long Island en 1922. Aux États-Unis, la période de 1920 à 1933 a été marquée par la soi-disant Prohibition, qui a interdit le commerce et la production d’alcool, alimentant ainsi la contrebande. Fitzgerald utilise la technique utilisée par Henry James (1843-1916), selon laquelle il est l’un des personnages de l’histoire. Dans ce cas, le narrateur est Nick Carraway, le voisin de Gatsby.
James Gatz est le fils d’agriculteurs pauvres du Dakota du Nord. Il s’enfuit de chez lui pour essayer de se changer et parvient à gagner la sympathie du riche M. Dan Cody en se faisant engager à bord de son yacht. James adopte le pseudonyme de Jay Gatsby lorsqu’il est envoyé à Louisville pour un entraînement militaire. Il y rencontre et tombe amoureux de Daisy Fay, une riche jeune fille de 18 ans avec laquelle il entrelace une histoire d’amour. Gatsby part à la guerre, mais les deux amants jurent d’abord une fidélité éternelle. Alors qu’il est en Europe en train de se battre, Gatsby apprend que Daisy a épousé Tom Buchanan, un célèbre joueur de football américain de Chicago. À partir de ce moment, le but de Gatsby dans la vie est de reconquérir la femme qu’il aime, à tout prix. Après avoir vécu à Oxford, en Angleterre, pendant un certain temps, il est retourné en Amérique et s’est enrichi grâce à la contrebande et au trafic. Finalement, il a acheté une villa dans le luxueux village de West Egg, sur la rive opposée du village de East Egg, où Daisy et Tom ont leur résidence d’été. Nick Carraway, son voisin, assiste à la vie somptueuse de Gatsby, aux fêtes les plus élégantes et les plus fréquentées qui ont lieu chaque soir, auxquelles le propriétaire n’assiste presque jamais et dont les invités ne sont souvent même pas au courant. Gatsby poursuit en effet son rêve, « la lumière verte », celle qui reflète les lumières de l’autre côté. Lors d’une de ces fêtes, Nick regarde Gatsby tendre la main vers cette lumière.
Tout en étant un conformiste et un puritain, l’exact opposé de Gatsby, Nick reconnaît qu’il est en quelque sorte spécial. Nick est également un parent de Daisy, et découvre que derrière l’apparence d’un mariage tranquille, il y a en fait des problèmes. Tom a une maîtresse, Myrtle, la femme de George Wilson, un mécanicien qui a un garage dans un quartier sordide sur la route de Long Island à New York. Un soir, Nick reçoit également une invitation à la villa de Gatsby et là, grâce à sa connaissance (suite à une brève relation) de l’ami de Daisy, Jordan Baker, il rencontrera Gatsby personnellement. Après quelques jours, Nick reçoit la visite de son voisin, qui lui raconte sa vie et son passé. Gatsby dit qu’il vient d’une famille riche, mais qu’il a été laissé seul car tous ses proches étaient morts. Il ajoute ensuite qu’il a déménagé en Angleterre, et pour convaincre Nick, il lui montre une photo de lui à cette époque. Puis il raconte son expérience de la guerre, quand il est devenu major et a même gagné une médaille. Finalement, Gatsby demande une faveur à Nick : réaliser son souhait et l’aider à rencontrer à nouveau Daisy. Jordan révèle à Nick l’histoire entre Gatsby et Daisy. Jordan et Nick parviennent à les réunir pour le thé. Daisy et Tom sont invités à la prochaine fête de Gatsby, et il est maintenant certain d’avoir reconquis la femme qu’il aime. Chaque après-midi, Daisy se rend à la villa de Gatsby, et il n’attend que le bon moment pour déclarer publiquement qu’elle n’a aimé que lui et n’a jamais aimé Tom, annulant ainsi cinq ans de mariage en un instant. Nick tente de raisonner Gatsby, en essayant de le convaincre que le passé ne peut pas être répété. Mais Gatsby est sûr de ses faits. Jusqu’au jour où, alors qu’ils sont tous dans un hôtel de New York, Tom commence à provoquer Gatsby, et la dispute atteint inévitablement Daisy. Mais lorsque Gatsby lui demande de déclarer devant tout le monde qu’elle l’aime, elle répond : « Vous en attendez trop ».
Sur le chemin du retour, Daisy, au volant de la voiture de Gatsby, écrase Myrtle, qui s’est enfuie de chez elle après que son mari l’ait enfermée parce qu’il la soupçonnait de l’avoir trompée. Myrtle meurt, Daisy retourne voir Tom sans lui dire ce qui s’est passé. Wilson, bouleversé, prend l’arme et va voir Tom pour se venger. Tom révèle plutôt ce qu’il croit, à savoir que la voiture qui a heurté Myrtle était conduite par Gatsby. Wilson se rend ensuite à la villa, où Gatsby se baigne dans la piscine, convaincu que Daisy va arriver d’un moment à l’autre. Wilson le tue et se tire une balle. Nick et les concierges se précipitent, mais il n’y a plus rien à faire. Nick essaie d’appeler Daisy, mais elle et Tom sont partis sans dire où ils vont. Deux jours plus tard, un télégramme arrive du Minnesota, d’un certain Henry C. Gatz, le père de Gatsby, demandant d’attendre son arrivée pour les funérailles. Le jour des funérailles, Nick supplie le ministre luthérien d’attendre l’arrivée de quelqu’un, mais personne ne se présente, sauf un ivrogne, qui est étonné de voir comment tout le monde est venu à ses fêtes quand Gatsby était vivant, mais maintenant, mort, ils le laissent tranquille. Nick croit qu’avec Gatsby, tout rêve est mort, et décide de s’éloigner de là, cherchant désespérément quelque chose qui donne un sens à l’existence. La couverture du roman, tirée du tableau « Celestial Eyes » de Francis Cugat (24 mai 1893 – 13 juillet 1981), est considérée comme l’un des chefs-d’œuvre de l’art américain de l’époque. Il était terminé avant le roman, et Fitzgerald en est tombé tellement amoureux qu’il a déclaré à son éditeur qu’il l’avait « écrit dans le roman ». Selon certaines critiques, l’auteur y a fait référence dans la description d’une enseigne publicitaire près de l’atelier du mécanicien Wilson, après la mort de Myrtle. Selon d’autres, ce serait le regard de Daisy, avec tout ce qu’elle a représenté pour Gatsby.
Le rêve de Gatsby correspond en quelque sorte au rêve américain, le désir de se relever après la crise de 1929. Mais elle correspond aussi en partie à la vie tourmentée de l’auteur, suspendue entre les excès de l’alcool et ceux de sa femme Zelda, entre les aventures avec les femmes, les maladies, les voyages en Europe, le sentiment de solitude imposé par l’histoire, et le désir de s’exprimer par l’écriture. Le sentiment de solitude, d’incommunicabilité et d’indifférence, qui est le thème dominant du roman, peut être résumé dans la dernière phrase : « Nous continuons donc à ramer, bateaux à contre-courant, sans cesse repoussés dans le passé ». En Italie, « Il Grande Gatsby » a été traduit pour la première fois en 1936 par C. Giardini, avec le titre « Gatsby il magnifico », et en 1950 par Fernanda Pivano avec le titre « La grande Gatsby ». Le grand Gatsby au cinéma. La première version cinématographique est le film muet de 1926, suivi par celui de 1949 avec Alan Ladd, et le plus célèbre de 1974, avec Robert Redford et Mia Farrow, réalisé par Jack Clayton et scénarisé par Francis Ford Coppola. Un nouveau film du même nom est sorti en mai 2013, réalisé par Baz Luhrmann, dans lequel Gatsby est joué par Leonardo DiCaprio, et Daisy par Carey Mulligan.