Auteur et chercheur en biologie, Mr Perrut parvient à mettre en relation ses multiples passions : littérature, sciences, histoire et technologies. Il évoque dans ses ouvrages tous les sujets qu’il affectionne.
Se former pour comprendre ce qui l’entoure : c’est le fonctionnement de ce biologiste, passionné par la recherche et écrivain polyvalent. Pharmacien de formation initiale, Mr Perrut a toujours eu un goût prononcé pour les apprentissages en autodidacte ou à l’université. Il est titulaire d’une vingtaine de diplômes dans des thèmes très variés. Il creuse tous les sujets pour lesquels il a un intérêt professionnel, personnel ou associatif. Gérontologie, médecine d’urgence, œnologie, biochimie, droit du travail… Il met son plaisir pour l’écriture au service de ses passions professionnelles et personnelles, dans des ouvrages techniques ou concernant son histoire familiale.
En 2003, Jean-Jacques Perrut publie « Risques et menaces biologiques » dans lequel il détaille la multitude d’armes biologiques depuis l’antiquité. Risques biologiques naturels à cause de l’insuffisance de vaccinations et risques biologiques accidentels dans l’alimentation et les biotechnologies. Il explique au lecteur comment le gouvernement doit agir pour défendre et protéger les hommes des risques de ces agents toxiques. En 2007, parait « Faut-il déboulonner la statue de Pasteur ? » Dans cet essai, il évoque de manière habile le rôle essentiel de Pasteur dans les découvertes scientifiques majeures, mais surtout il réhabilite la mémoire des scientifiques qui ont permis à Pasteur le succès de ses recherches. Il s’agit dans cet ouvrage de ne pas oublier que les grandes découvertes, souvent fruit du hasard, ne sont pas uniquement le fait d’une seule personne. Mr Perrut nous rappelle dans ces écrits l’importance de ne pas oublier cela.
Grand amateur de vins, il publie en 2016 « Le vin dans la Bible ». Il explique de manière originale le vin sacré à travers les histoires de la Bible et plus largement dans les trois grandes religions monothéistes. Natif du Beaujolais, il raconte en 2017 dans son livre « À l’ombre de l’auréole » l’histoire de sa famille. Dans cette biographie, il explique comment au milieu du XIXe siècle, des gens modestes aiment apprendre et poussent leur raisonnement scientifique au contact du saint curé d’Ars et de Claude Bernard. Il parvient à mettre en parallèle le quotidien rural et religieux avec la réflexion et l’approche scientifique.
Sur le papier, un blogueur voyage devrait être une personne qui voyage, qui aime le faire et surtout qui sait le faire et qui a décidé de faire de sa passion un métier. Pour distinguer un bon Travel Blogger d’un blogueur « commercial », il est essentiel de suivre un axiome très simple : « Je voyage donc j’écris ». Pour beaucoup, l’axiome est devenu : « J’écris donc voyage ». Des gens qui écrivent sur les voyages juste parce qu’on les envoie en voyage. Pour ceux qui suivent les blogs de voyage ou les sites des agences de voyage, vous tomberez sur un blog tour.
Le blog tour est un événement similaire au voyage de presse, mais fait avec des blogueurs, disons un voyage de presse 2.0. En théorie, il devrait avoir des caractéristiques organisationnelles différentes parce que les blogueurs et les journalistes font deux métiers complètement différents, mais ce n’est pas toujours le cas. Dans une tournée de blogs, un office du tourisme ou une entreprise quelconque décide d’un itinéraire à promouvoir par un groupe de blogueurs, soit en direct par le biais de récits sur les médias sociaux, soit plus tard par la publication de messages sur leurs blogs. La raison est de faire connaître votre produit, de faire passer un message à plusieurs personnes en même temps et de faire interpréter votre produit par des voix différentes selon le style éditorial et la façon de penser des blogueurs.
Du point de vue d’un blogueur, vous avez certainement l’occasion de visiter un lieu de travail, mais vous êtes généralement secoué d’un côté à l’autre par des programmes trépidants et souvent hors des sentiers battus. Que signifie « hors du créneau » ? La valeur ajoutée d’un blogueur est d’avoir un style personnel, un public défini, comme les voyages à dos, le luxe, la nourriture, donc si dans un événement vous devez rassembler des blogueurs qui écrivent d’une manière différente, vous comprendrez que chacun finira par faire des choses qui ne sont pas de son propre intérêt.
Maintenant, beaucoup diront : « Au lieu de remercier, vous faites un voyage aux dépens des autres ! Lorsque vous évaluez un blogueur de voyage, n’oubliez jamais que pour lui, le voyage est un travail et la normalité, ce n’est pas des vacances. Le Travel Blogger a fait des voyages un événement quotidien ou du moins un aspect très fréquent de sa vie. Cela dit, un blog tour est certainement un excellent moyen de connaître des aspects d’une région, d’une ile ou d’une ville que vous n’auriez pas facilement recherchée par vous-même ou de visiter des destinations que vous n’auriez pas mises sur votre liste.
Si le blog tour est à toutes fins utiles un contrat de travail, l’attitude d’un blogueur doit garantir le professionnalisme et l’équité. Il est une excellente opportunité, mais c’est certainement une façon stressante et passive de faire ce travail. Si votre rêve est de visiter un pays en particulier, vous pouvez aussi faire le travail inverse : construire un itinéraire qui a éventuellement un thème, comme les sports d’hiver, la plongée, la découverte d’un certain style architectural, tout ce qui pourrait vous intéresser, vous et votre public, et ensuite essayer de les convaincre de vous sponsoriser.
Si, comme souvent, les parrains sont issus de secteurs différents, vous devrez préparer différentes propositions personnalisées et ne pas toujours gérer la même. Habituellement, vous commencez à contacter un sponsor à un niveau macro, comme un office national ou régional du tourisme, mais il est difficile d’obtenir un parrainage complet pour le voyage d’une seule personne, à moins que vous ne lui offriez quelque chose d’inoubliable et que le sponsor ait le budget et le calendrier pour vous suivre.
Il est beaucoup plus facile d’approcher les petites entreprises, comme les chaînes d’hôtels, les auberges, les pensions de famille, les agences locales : avec les petits sponsors, la relation est plus directe et ils sont plus disposés à travailler avec vous. Maintenant, je vous demanderais : « Comment trouver toutes ces petites réalités ? » Étudiez ! Vous travaillez ! Je vous ai dit qu’il était possible de se faire sponsoriser un voyage, non pas que ce soit facile. Chaque blogueur a un style de voyage, donc dans ses voyages sponsorisés, il essaiera de voyager comme il l’a toujours fait, ou du moins à mon avis, il devrait le faire.
Pour faciliter la rédaction d’un projet, répondez à ces questions: Qui suis-je ? D’abord vous, puis le blog, décrivez votre point de vue sur le voyage, parlez avec des chiffres, ajoutez des infographies sur votre trafic, vous parlez à une entreprise, les entreprises aiment les choses concrètes. Si vous avez été cité par des sources faisant autorité, veuillez leur faire savoir, si vous avez déjà réalisé des projets similaires, donnez-leur la possibilité d’avoir une vue d’ensemble, mais ne soyez jamais trop verbeux.
Pourquoi voulez-vous visiter ce pays ou utiliser un de leurs services ? Montrez que vous êtes vraiment intéressé, que vous savez ce qu’ils proposent, que vous avez étudié, et non que vous spammez tous les sponsors possibles. Comment voulez-vous organiser votre voyage ? Ajoutez un itinéraire, des dates afin qu’ils puissent avoir une idée pratique de ce que vous voulez faire, décrivez bien votre « coupe du voyage ». Que voulez-vous d’eux ? Des idées claires et sincères ! Vous connaissez votre éventuel parrain, il sait ce qu’il vous propose et vous savez ce que vous aimeriez, demandez-lui ! Un service gratuit, un peu d’argent, une croisière, demandez, il n’y a pas de demande folle, il n’y a qu’une demande qui n’est pas soutenue par un travail adéquat, si tout cela en vaut la peine, osez !
Que leur donnez-vous en retour ? Soyez précis : définissez comment vous allez les citer sur les réseaux sociaux, si vous allez créer un hashtag, si vous prévoyez de faire une vidéo, quelques galeries de photos, combien de posts sur votre site, si vous allez ou non mettre un backlink, plus vous donnerez d’informations et plus on comprendra la valeur de votre travail, évidemment aussi dans ce cas, la créativité est le maître, sortez de la boîte, au moins un peu.
Même si le style veut sa part, présentez votre projet de façon claire, agréable, schématique et avec de beaux graphiques, n’oubliez jamais d’entrer vos contacts. Pensez toujours que vous ne devez pas vous ennuyer, mais la curiosité et le sentiment de professionnalisme se voient dans les détails ! J’espère que vous avez trouvé cet article intéressant, qu’il vous a aidé à en savoir plus sur le monde d’un blogueur professionnel de voyage, à comprendre concrètement comment ce travail est effectué et que derrière chaque voyage il y a des semaines de travail. Si vous avez des questions ou de la curiosité, n’hésitez pas à les écrire ici et je vous répondrai dès que possible.
Il est aujourd’hui devenu facile d’écrire des livres électroniques, de les commercialiser et de créer ainsi une source de revenus potentiellement lucrative. Sur Internet, il existe plusieurs plateformes sur lesquelles vous pouvez distribuer ou vendre vos ebooks. La plateforme KDP d’Amazon est particulièrement populaire auprès des auteurs de livres électroniques.
Le Kindle eReader est aujourd’hui un outil (un lecteur plus précisément) couramment utilisé par les acheteurs de livres numériques. Présentant un nombre de bouquins numériques qui ne cesse de croître, il compte parfois un peu plus de 100 000 nouvelles parutions en 30 jours.
Si vous voulez commencer comme auteur de livres électroniques Kindle, c’est très facile. Utilisez Kindle Direct Publishing pour télécharger facilement vos livres électroniques sur Amazon et les mettre en vente.
Notez bien que la plateforme KDP d’Amazon n’est pas le seul moyen de vendre ses livres électroniques en ligne. Si vous ne souhaitez pas cibler uniquement les utilisateurs de Kindle, vous pouvez également proposer vos œuvres numériques à la vente sur epubli, XinXii, Hugendubel, etc.
A-t-on besoin d’un éditeur pour vendre un livre électronique ?
Beaucoup aussitôt aux éditeurs quand ils pensent aux livres, mais ce n’est pas la même chose pour les bouquins électroniques. Si les ouvrages physiques sont imprimés et publiés par les maisons d’édition, les livres numériques n’en ont pas besoin. En ligne, vous pouvez également proposer et vendre directement votre papier sans passer par un éditeur.
Où publier ses livres électroniques ?
En ligne, plusieurs plateformes intéressantes sont disponibles. D’abord, vous avez les plateformes de publication directe comme Kindle (KDP) d’Amazon qui permettent également de consulter les best-sellers et thèmes populaires auprès des acheteurs. D’autres plateformes de distribution d’elivres sont également disponibles sur d’autre applis.
Les plateformes individuelles telles que epubli offrent aux auteurs un réseau de distribution plus libre. Ainsi, si vous vendez votre livre numérique sur le site, il sera également proposé sur de nombreux autres portails dédiés.
Gardez à l’esprit que les e-bouquins Kindle ne sont vendus que sur Amazon et ce dernier conserve ses auto-éditeurs. Le programme « Select » d’Amazon est à connaître si vous participez en tant qu’auteur de Kindle. Il vous empêche de vendre le ebook ailleurs, mais exclusivement chez Amazon. En contrepartie, le programme Select offre diverses possibilités de promotion à l’exemple des 5 jours gratuits par trimestre où vous pouvez donner votre ebook Kindle, de la participation à « Kindle Unlimited » ou encore le programme de location. Autre point intéressant : les auteurs qui vendent les plus de Kindle recevront régulièrement des primes d’environ 7 500 euros. L’engagement exclusif de Select est toujours valable pour un trimestre.
Pour commencer, il est recommandé de débuter sur Amazon, car le programme KDP est très transparent de plus, vous pouvez vous y faire un nom auprès des lecteurs en peu de temps avec le dispositif Select.
Quelle doit être l’étendue du livre électronique ?
La taille d’un livre électronique n’est pas déterminante au départ. Les bouquins numériques dits de niche peuvent parfois avoir 40 pages. Mais le prix doit correspondre à la quantité de contenu, afin que personne ne soit déçu par les lecteurs.
Avec le Kindle Ebook, vous pouvez modifier la taille de la police, de sorte que seule une valeur moyenne est donnée pour la taille du livre.
Si vous le souhaitez, vous pouvez également indiquer dans votre description le nombre de pages que le script Word comporte. Chaque personne intéressée pourra ainsi imaginer le volume exact du texte.
Peut-on publier des ebooks avec un pseudonyme ?
Oui, vous pouvez également vendre des livres électroniques sous un pseudonyme ou un nom de scène. Toutefois, si vous comptez le faire sur Amazon, votre vrai nom doit figurer dans les coordonnées bancaires afin que vous puissiez recevoir les paiements.
Pour utiliser un pseudonyme, vous ne devez pas choisir un nom d’auteur déjà existant ou le nom d’une personne publique. Il est également interdit d’inclure un titre universitaire tel que « Dru » ou « Prof. » dans votre pseudonyme.
Si vous souhaitez obtenir un nom d’artiste original, il est préférable d’utiliser Google pour tester s’il n’est pas déjà pris. Vous pouvez gérer jusqu’à trois pseudonymes en parallèle via la gestion des auteurs d’Amazon. En cas d’incertitude quant à la sélection, vous devez consulter un avocat.
À quoi ressemble l’empreinte ?
Le livre électronique a besoin d’une empreinte et avec le pseudonyme, il devient critique. Normalement, toute œuvre offerte au public doit comporter une notice qui permet de contacter personnellement l’auteur. Mais cela n’est pas possible avec un pseudonyme.
Si vous ne voulez en aucun cas donner votre vrai nom, il faut faire appel à un éditeur qui sera mentionné dans l’empreinte. Sinon, vous devez publier des ebooks avec votre vrai nom.
L’empreinte doit inclure les coordonnées avec une adresse et un mail, les auteurs des images utilisées (image de couverture, illustration…) et la mention indiquant que l’œuvre est protégée par des droits d’auteur.
Que faut-il considérer avec les droits sur le contenu ?
Vous devez être l’auteur du livre électronique, c’est-à-dire que vous ne devez pas copier des passages quelque part, utiliser des images étrangères et oublier de mentionner l’auteur, etc. Il est également interdit de diffuser des contenus préjudiciables aux jeunes ou extrémistes, mais aussi d’insulter les droits personnels d’autrui.
De même, lorsque vous utilisez de la documentation primaire et secondaire (recherche), vous devez nommer les sources dans des notes de bas de page ou de fin de document. Il y a également des éléments à prendre en compte lors de la citation. Par exemple, la citation ne doit pas être adoptée pour elle-même, mais doit servir un but.
Ce sujet est assez complexe et nécessite des recherches approfondies que ne pouvez pas faire. En cas de besoin, demander un conseil juridique.
Les éléments à prendre en compte lors de la rédaction
Vous pouvez facilement écrire l’ebook dans un programme de traitement de texte comme Word ou Writer. Bien sûr, il existe aussi des programmes spéciaux qui facilitent la rédaction de livres numériques, mais pour commencer, un logiciel classique sera suffisant.
Une fois le livre achevé, il faudra relire ou faire relire minutieusement (4 yeux en voient plus de deux) afin de détecter les fautes (orthographe et grammaire), formater le document et de préparer une table des matières. Pour un livre électronique Kindle, vous devez produire la table des matières générée automatiquement sans les numéros de page.
Les autres éléments à prendre en compte lors de la création d’un ebook sont disponibles dans la section d’aide de votre compte utilisateur KDP.
Le document Word est converti au format approprié lorsqu’il est téléchargé sur Amazon, vous n’avez rien à faire vous-même. Dans l’aperçu, vous pouvez voir à quoi ressemblera le document dans un Kindle eReader. Vous devrez peut-être procéder à quelques ajustements.
L’image de la couverture doit avoir une taille de 2 500 x 4 000 pixels afin d’avoir un aspect de haute qualité même en zoom. N’oubliez pas ; le titre et l’image sont lisibles et faciles à reconnaître dans le petit format de prévisualisation (90×144 pixels). C’est pourquoi il est recommandé d’utiliser une seule grande image pour la couverture avec le titre en gros caractères.
La page d’auteur est un outil de marketing que vous devrez utiliser. Elle peut être créée gratuitement via Author Central d’Amazon. Ici, vous devez vous présenter personnellement et surtout télécharger une photo de haute qualité.
Combien peut-on obtenir pour un ebook ?
Le prix du livre numérique est entièrement à votre charge. Garder à l’esprit qu’Amazon et d’autres portails de vente proposent un prix brut, ce qui signifie que la TVA de 19 % est toujours incluse dans le prix.
Si vous les déduisez, vous aurez le prix de vente net et vous recevrez au maximum 70 % de ce prix une fois l’œuvre vendue. Ces modalités sont quelques fois compliquées, l’idéal est de toujours se renseigner. L’idéal est de commencer avec des prix bas. Bien sûr, l’idée est gagner beaucoup avec l’ebook, mais si vous regardez les prix moyens des livres Kindle, vous remarquerez que nombreux sont très bon marché. La plupart des auteurs sont encore inconnus et commencent avec un prix bas.
Vous devriez vous en tenir à cela aussi. Votre premier bouquin numérique devrait se situer dans cette fourchette de prix assez abordable, à moins qu’il ne s’agisse d’un ouvrage de référence complet dans lequel vous avez fait beaucoup de recherches et d’autres efforts. Le prix peut alors être plus élevé.
Si votre premier travail compte environ 100 pages, vous devriez vous orienter vers un niveau de prix inférieur. De même, vous obtenez 70 pour cent du prix de vente net, le prix de l’ebook doit être d’au moins 1,99 euro.
Les revenus provenant de la vente de livres électroniques sont-ils imposables ?
Oui, les ventes sont considérées comme des revenus et doivent être taxées en conséquence. Vous devriez clarifier les détails avec votre conseiller fiscal. Publier le premier ebook n’est pas très dur d’un point de vue technique. Néanmoins, certains points sont considérés notamment d’ordre juridique et en termes de prix.
Une étude affirme que la lecture de Harry Potter aide à développer l’intelligence émotionnelle. Plus précisément, il stimule l’ouverture d’esprit et réduit les préjugés à l’égard des minorités. Dans une autre étude publiée dans la revue Science, on affirme que la fiction narrative stimule la théorie de l’esprit. La lecture, et pas seulement de la saga Harry Potter, semble favoriser le développement émotionnel. Et ce processus, à son tour, agirait sur les chances de succès au niveau personnel, social et professionnel.
Les recherches ont montré qu’il n’y a pas de différences majeures dans l’intelligence émotionnelle en général. Il y a cependant des différences dans les éléments qui la composent. La définition de l’intelligence émotionnelle peut sembler surprenante car le concept mêle deux notions que l’on a habituellement coutume d’opposer. On y trouve d’un côté le mot intelligence qui désigne la capacité de raisonnement et d’analyse et d’un côté le mot émotion qui désigne les réactions primaires difficilement contrôlables survenant suite à l’occurrence d’un événement bien précis ou dans certaines situations.
– Les hommes ne pleurent pas
Face à une perte, que ce soit la mort d’un être cher ou une rupture, la réponse interne naturelle est la tristesse. Il est plus acceptable culturellement d’exprimer la tristesse quand on est une femme. Classiquement, un homme va manifester en réaction de l’agressivité.
– Les hommes se mettent en colère
Dans les représentations communes, la colère est une réaction masculine et acceptée comme normale. Inversement, une femme qui explose est étiquetée hystérique.
– Les hommes n’ont pas peur
Au registre des émotions communément exprimées par les femmes, la peur en est une, au même titre d’ailleurs que la honte. L’expression de la peur étant considérée comme communiquant une faible dominance, reléguant celui qui la manifeste dans le clan des dociles et des soumis.
– Les femmes sont empathiques
L’empathie est la capacité à reconnaître ses émotions et celles d’autrui par l’intermédiaire de ce qui est dit, pensé et montré. Les femmes sont plus aptes à la ressentir.
Deux universitaires américains, spécialistes en psychologie, ont été les premiers à utiliser l’expression ” IE ” et la conceptualiser. Pour eux, l’IE se situe à l’intersection des cognitions et des émotions. Ils soutiennent que les individus varient dans leur capacité à traiter l’information d’une nature émotionnelle et leur capacité à établir un lien entre ce traitement émotionnel et la cognition générale.
Leur modèle initial comprenait 3 processus mentaux principaux :
Les auteurs ont ensuite révisé leur modèle et proposent aujourd’hui un cadre plus complexe dans lequel l’IE est un construit hiérarchique à quatre branches, chacune de ces branches représentant une catégorie de capacités :
1. La perception et l’évaluation, verbales et non verbales des émotions ;
2. La capacité d’intégration et d’assimilation des émotions pour faciliter et améliorer les processus cognitifs et perceptuels ;
3. La connaissance du domaine des émotions, compréhension de leurs mécanismes, de leurs causes et de leurs conséquences ; enfin,
4. La gestion de ses propres émotions et celles des autres.
1. La conscience de soi et la capacité à comprendre ses émotions. La capacité de reconnaître et de comprendre les humeurs personnelles, les émotions et les moteurs internes, ainsi que leur effet sur les autres. Les indicateurs de conscience de soi comprennent l’auto-assurance, l’auto-évaluation réaliste, et un sens de l’humour auto-dérisoire. La conscience de soi dépend de la capacité à surveiller son propre état émotionnel et d’identifier et nommer correctement ses émotions.
2. La maîtrise de soi. La capacité de contrôler ou rediriger les pulsions et les humeurs perturbatrices, et la tendance à suspendre le jugement et de réfléchir avant d’agir. Les indicateurs comprennent la fiabilité et l’intégrité, ainsi que l’acceptation de l’ambigüité et l’ouverture au changement.
3. La motivation interne. Un moteur interne qui va au-delà de l’argent et du statut, qui sont tous deux des récompenses externes : vision de ce qui est important dans la vie, le plaisir d’accomplir une tâche, la curiosité d’apprendre, un flux qui vient de l’immersion dans une activité. Une tendance à poursuivre des objectifs avec énergie et persistance. Les indicateurs comprennent une forte envie d’accomplissement, de l’optimisme à l’épreuve des échecs et un engagement organisationnel.
4. L’empathie. La capacité de comprendre la structure émotionnelle des autres. Une habileté à traiter les personnes en fonction de leurs réactions émotionnelles. Les indicateurs comprennent l’expertise dans la construction et le maintien du talent, la sensibilité interculturelle et le service aux clients. L’empathie concerne l’intérêt et l’implication dans les émotions des autres, la capacité à sentir ce qu’ils ressentent.
5. Les aptitudes sociales. L’habileté dans la gestion des relations et dans la construction de réseaux, ainsi qu’une capacité à trouver des points communs et de construire des liens. Les indicateurs des compétences sociales comprennent l’efficacité dans la conduite du changement, le pouvoir de persuasion, la création d’expertise et le leadership des équipes.
L’intelligence émotionnelle peut être décrite comme un type d’intelligence sociale qui permet à l’individu de gérer ses propres émotions et celles des autres ; de distinguer, utiliser et comprendre cette information émotionnelle et, par conséquent, de réguler ses pensées et son comportement. Il existe deux théories liées au développement de l’intelligence émotionnelle. Le premier affirme qu’il augmente avec les années et l’expérience. Le second, qu’il se développe pendant l’enfance pour se stabiliser au début de l’âge adulte. En tout cas, commencer à le pratiquer tout de suite peut être très positif. Il a été démontré que la formation à l’intelligence émotionnelle chez les enfants d’âge scolaire par le biais de programmes spécifiques ou d’une approche transversale offre les avantages suivants :
Si vous voulez développer votre intelligence émotionnelle en vous appuyant sur des livres ou la lecture, vous avez plus d’une chance. Imaginez-vous devant une librairie bien achalandée. La première étape consiste à choisir un sujet qui nous intéresse parmi le large éventail de romans. De cette façon, la création d’un lien avec un ou plusieurs personnages est presque inévitable. C’est ce lien qui développera notre empathie. Il s’agit donc de se mettre à la place du protagoniste, de comprendre ses états émotionnels et ce qui le pousse à agir ; bref, prendre un personnage comme référence et apprendre de lui est une façon indirecte mais agréable de développer l’intelligence émotionnelle. La deuxième possibilité est de s’orienter vers les rayons de la psychologie ou de l’auto-assistance. Bien que la section ne soit pas aussi étendue que celle des romans, nous y trouverons de nombreux ouvrages consacrés au développement des compétences ou des attitudes personnelles, y compris l’intelligence émotionnelle. Cette catégorie fournit au lecteur des informations directes ou des conseils d’action ; elle utilise souvent les personnages comme exemples, mais sans en faire les protagonistes du livre. Enfin, si vous avez l’intention de combiner les avantages des deux catégories, il existe une troisième option. Il s’agit de livres d’auto-assistance organisés sous forme de nouvelles. Ils sont conçus pour enseigner à travers les actions et les expériences des personnages ; leur façon d’aborder la vie ou les compétences sont, en fait, le thème central du livre.
Deux stratégies peuvent être utilisées pour travailler sur ce type de renseignement. Le premier est confié aux parents et utilise des techniques, des méthodes ou des actions directes qui servent de modèle. La seconde, moins directe mais tout aussi efficace, est la lecture. Qu’il s’agisse de contes de fées, de nouvelles, de bandes dessinées, de romans ou autres, ils aident les parents à développer les compétences sociales et émotionnelles de leurs enfants. La lecture, comme nous l’avons dit, exerce la théorie de l’esprit ; cette dernière est la capacité qui nous permet de réfléchir et de comprendre les états mentaux, le nôtre et celui des autres.
Rosemary’s Baby est probablement l’un des films les plus connus du réalisateur Roman Polanski. Et ce n’est pas seulement à cause de sa qualité cinématographique incontestable et de la terreur qu’il déclenche, mais aussi à cause des mystères qui l’entourent. Ce film a été tourné dans le même bâtiment où, un peu plus de dix ans plus tard, John Lennon aurait été assassiné, où Boris Karloff a vécu et est mort, et seulement un an avant que sa femme Sharon Tate ne soit assassinée. Rosemary’s Baby suscite encore aujourd’hui la terreur et le mystère. Polanski, à son tour, est l’un des réalisateurs les plus controversés de l’histoire, pris dans des questions juridiques, mais avec une production cinématographique presque sans précédent. Un jeune couple, des voisins extraordinairement inhabituels et une des grossesses les plus tragiques sont quelques-uns des éléments du film. Rosemary et son mari sont occupés à trouver un logement et à fonder une famille. Bien que les ambitions de son mari dépassent les attentes de la famille, le jeune couple se retrouve à vivre un enfer moins improbable qu’il n’y paraît. En résumé, Rosemary’s Baby est un long métrage qui nous emmène sur un chemin entre le fantastique et le rationnel, un chemin plein de pièges, de mésaventures et de claustrophobie. Et, bien sûr, c’est l’une des perles parmi les films d’horreur.
Le film nous accompagne sur un chemin incertain, prenant la liberté de soulever des doutes chez le spectateur et le laissant sur le fil du rasoir. Une corde qui frise l’agonie, l’asphyxie et même la claustrophobie, mais toujours entourée d’éclairs de rationalité. Et en parlant d’incertitude, déjà au XIXe siècle, Alarcón, l’un des plus grands savants d’Edgar Allan Poe, osait dire que la splendeur de l’écrivain américain résidait précisément « dans le fait d’être rationnel et d’aspirer à être fantastique ». Une affirmation selon laquelle aujourd’hui, quelques siècles plus tard, nous pouvons parfaitement nous adapter au long métrage de Polanski. L’incertitude, le doute et la terreur psychologique sont au cœur de Rosemary’s Baby. Polanski amène le spectateur à douter à la fois de la réalité et de la fiction. Les rêves sont-ils seulement cela ou sont-ils le fruit de la réalité ? Qu’arrive-t-il à Rosemary et à ses voisins ? Le spectateur n’a pas d’autre choix que de s’interroger sur ce qu’il voit à l’écran. Bien que les religions aient joué un rôle clé au milieu du XXe siècle, le film a été une véritable révélation, à la limite du blasphème. Cependant, en plein milieu de l’ère rationnelle et sceptique du XXIe siècle, le téléspectateur finit par se poser les mêmes questions que celles qui lui avaient été posées plusieurs décennies auparavant. Rosemary’s Baby démontre ainsi l’imperméabilité de son essence et révèle une terreur qui, loin d’être lue à la loupe d’une période historique donnée, continue d’effrayer et de déconcerter.
Entre l’impossible et le possible, entre le réel et l’irréel, le doute et l’hésitation sont la véritable clé de la terreur et du suspense du film de Polanski. La façon dont nous dirigeons notre regard, nous faisons prendre un certain point de vue à travers les plans et présentons les personnages à des moments clés n’a rien à voir avec l’époque ou les tendances, mais fait directement appel à la sphère psychologique. En bref, à notre avis, la terreur de l’inconnu et l’incertitude suscitée par le doute. Polanski n’a pas inventé les cultes sataniques, il est plutôt le fruit de notre propre réalité ; il n’invente pas un scénario, mais insère un point de départ connu. Comme s’il partait de la fin d’une comédie romantique, le réalisateur prend un jeune couple idyllique pour les dissoudre, les détruire et même les ridiculiser. Sans oublier le rôle fondamental du public qui donnera un sens à une histoire apparemment fantastique, mais plausible ; et pour cela il finira par douter de tout ce qu’il voit à l’écran.
Une grande partie du culte – ou de l’admiration – qui entoure le film réside dans les événements étranges qui l’ont accompagné. Comme nous l’avons déjà mentionné, le film a été tourné dans le Dakota Building à New York, initialement construit loin du centre névralgique de la ville. Avec le temps et l’expansion urbaine, il est devenu un bâtiment convoité par des personnes de haut rang et diverses personnalités du monde du cinéma, de la musique ou de la culture de masse. Tout semble indiquer que les scènes de tournage étaient une sorte de suicide. Sa femme a été tragiquement assassinée un an plus tard. Le compositeur de la bande sonore, Krzysztof Komeda, est mort peu après. Le personnage principal du film, John Cassavetes, est également mort peu après le tournage. On ne sait pas encore si Boris Karloff pratiquait ou non le spiritisme lorsqu’il résidait dans l’immeuble, mais quelques années après la fusillade, John Lennon est mort à l’entrée du Dakota, où il résidait. Les mystères infinis rejoignent le perfectionnisme de Polanski, un réalisateur qui n’a pas hésité à impliquer les acteurs dans des situations extrêmes. La protagoniste, Mia Farrow, a dû manger de la viande crue bien qu’elle soit végétarienne et a été contrainte de tourner une scène dans laquelle elle traversait une route qui n’était pas fermée à la circulation. Les véhicules que nous voyons passer à toute vitesse devant elle et freiner pour éviter de l’écraser ne sont pas une fiction cinématographique, mais bien réels. Pendant le tournage, la jeune actrice a également reçu des papiers de divorce de Frank Sinatra, et a dû faire face à plusieurs hostilités sur le plateau. Rosmary’s Baby est maudit non seulement pour les questions qu’il traite, mais aussi pour les mystères et les événements gênants qui ont caractérisé la fusillade.
Malgré tout, la terreur du film ne réside pas dans les anecdotes et les horreurs qui l’entourent, mais en soi. Il est rare de se retrouver devant un film qui dépasse les époques ou les modes, qui résiste au passage du temps et qui raconte quelque chose d’universel. Rosemary’s Baby nous montre en fait quelque chose d’universel, il utilise le cinéma et ses ressources stylistiques pour créer une atmosphère classrophobe, terrifiante et désespérée. Un résultat choquant et magnifique qui déploie tout l’imaginaire cinématographique, mais qui n’a obtenu qu’un seul Oscar, celui de Ruth Gordon pour son interprétation du rôle de Minnie Castevet. Malgré tous ces changements, Polanski a fait sien le scénario, créant une expérience onirique sans précédent qui interroge la réalité et le fantasme, déconcerte le spectateur et met en scène l’horreur. Sans aucun doute, nous avons affaire à l’un des meilleurs films d’horreur de tous les temps, un film pour lequel l’obsolescence ou l’âge n’ont pas leur place, mais qui fait appel au subconscient, à la sensation presque animale de « l’état d’alerte », comme si quelque chose d’exceptionnel se produisait en regardant le film.
John Carpenter est un réalisateur, scénariste, producteur et compositeur américain né le 16 janvier 1948 à Carthage, dans l’État de New York. Fort d’une carrière cinématographique s’étalant sur près de quarante ans, Carpenter a réalisé nombre de film d’horreur et de science-fiction qui ont acquis, au fil des ans, une renommée internationale. Réalisateur indépendant, il met en scène son premier long-métrage, Dark Star, alors qu’il n’a que 25 ans. Il signe deux ans plus tard un film d’action, Assaut, avant de se tourner vers un autre registre avec Halloween, la nuit des masques : l’horreur. Un genre qui deviendra vite son genre de prédilection. Halloween rencontre un formidable succès, aussi bien critique que commercial. Dès lors, la carrière de Carpenter est lancée, et les productions se succèdent, Hollywood lui ouvrant par ailleurs ses portes grâce à son nouveau statut de réalisateur rentable.
Fortement influencé par le cinéma, notamment par Howard Hawks et les films de science-fiction, John Carpenter est un réalisateur qui cherche à être invisible. Ses films se caractérisent ainsi par une réalisation et des scénarios dépouillés, des montages secs et sans artifices, une musique minimaliste. Metteur en scène polyvalent, Carpenter a d’ailleurs cumulé les fonctions les plus importantes sur la plupart d’entre eux : réalisateur, scénariste, compositeur. Au fil de sa carrière, il a progressivement imposé son style dans les registres de l’épouvante et de la science-fiction, au point d’être considéré comme le maître de l’horreur.
Aujourd’hui, nombre de ses films sont devenus des références du cinéma d’horreur et de science-fiction, notamment « New York, The Thing, Invasion Los Angeles ou encore L’Antre de la folie ». Si tous n’ont pas reçu un accueil critique favorable au moment de leur sortie, un grand nombre sont désormais considérés comme des films culte, Carpenter étant lui-même reconnu comme l’un des metteurs en scène les plus talentueux et les plus influents de son époque.
Halloween, un succès mondial qui a lancé la carrière de Carpenter. Quelque temps avant la réalisation du téléfilm, John Carpenter et Debra Hill se rendent ensemble au Festival du film de Londres pour assister à la projection de Assaut. Ils y font la connaissance des producteurs Moustapha Akkad et Irwin Yablans. Le second sollicite Carpenter pour réaliser un film d’horreur mettant en scène un psychopathe persécutant des gardiennes d’enfant. Enthousiasmé par le synopsis, le cinéaste accepte le projet, puis il entame l’écriture d’un scénario intitulé The Babysitter Murders avec Debra Hill. Plus tard, Carpenter déclarera avoir été inspiré par le film Psychose d’Alfred Hitchcock. Carpenter rebaptise ce dernier Halloween après une suggestion de Yablans, lequel souhaitait que l’action se déroule la nuit du 31 octobre. Cette fois, si le cinéaste fait appel à une actrice encore inconnue pour interpréter le rôle principal, Jamie Lee Curtisn, il compte pour la première fois dans ses rangs un acteur de renommée : Donald Pleasance, notamment connu pour ses rôles dans La Grande évasion et On ne vit que deux fois.
Réalisé, comme Assaut, en une vingtaine de jours, le troisième long-métrage de Carpenter sort aux États-Unis en octobre, dans le cadre du Festival international du film de Chicago. Si, au départ, la presse américaine ne semble pas convaincue, Halloween obtient d’excellents résultats au box-office. Petit à petit, les critiques commencent également à lui témoigner de l’intérêt, halloween devenant par ailleurs le film indépendant le plus rentable jamais réalisé. En France, John Carpenter obtient en le prix de la critique au Festival d’Avoriaz, alors que le film remporte la Licorne d’or au Festival international de Paris. Il est également nommé au Saturn Award du meilleur film d’horreur. Le thème musical principal d’Halloween est certainement le plus célèbre composé par Carpenter. Il est basé sur une rythmique (cinq temps dans une mesure) que le père du cinéaste lui avait apprise au piano quand il était enfant Il l’a rejouée en y ajoutant différents effets sonores.
Sitôt le film sorti en salles, le cinéaste enchaîne avec le tournage d’un film biographique consacré à Elvis Presley, Le Roman d’Elvis, sur un scénario d’Anthony Lawrence. C’est à ce moment qu’il rencontre Kurt Russell, qui joue ici le rôle du King : c’est le début d’une longue amitié et d’une fructueuse collaboration. Lors de sa première diffusion, l’audience du téléfilm est telle qu’elle dépasse celles de Vol au-dessus d’un nid de coucou et d’Autant en emporte le vent, diffusés à la même heure sur des chaînes concurrentes. Le Roman d’Elvis se voit par ailleurs nommé pour trois Emmy Awards et un Golden Globe, ce dernier dans la catégorie meilleur film pour la télévision. Le téléfilm bénéficiera d’une exploitation en salles en Europe, mais avec une durée ramenée à une centaine de minutes au lieu des trois heures du téléfilm d’origine.
Le succès de Vampires encourage Carpenter à poursuivre sa carrière de metteur en scène. Quelques années plus tard, le cinéaste est déjà de retour avec Ghosts of Mars, un film de science-fiction dont l’action se déroule sur Mars. Carpenter, qui n’avait pas situé l’action d’un film ailleurs que sur Terre depuis Dark Star, compose la bande originale et participe à l’écriture du scénario. Sorti aux États-Unis durant l’été, Ghosts of Mars partage fortement la critique et les spectateurs. De surcroît, c’est un échec commercial. Épuisé par le tournage et déçu par le score de son film au box-office, Carpenter déclare qu’il compte quitter Hollywood pour de bon. Après la sortie de Ghosts of Mars, le réalisateur s’accorde donc une longue pause, ne repassant derrière la caméra qu’en pour filmer un épisode de la première saison de la série télévisée Les Maîtres de l’horreur, intitulé La Fin absolue du monde (Cigarette Burns). Présentant des similitudes scénaristiques avec L’Antre de la folie, cet épisode est considéré comme l’un des plus réussis de la série. L’année d’après, il renouvelle l’expérience dans le cadre de la deuxième saison en réalisant l’épisode Piégée à l’intérieur (Pro-Life), qui est beaucoup moins bien accueilli.
John Carpenter ne revient au grand écran que plusieurs années après, soit presque dix ans après la sortie de son dernier long-métrage. Son nouveau film, The Ward, est une production indépendante dont le casting est presque exclusivement féminin, comprenant entre autres Amber Heard. À cette occasion, Carpenter revient à un genre qu’il affectionne particulièrement : l’horreur. The Ward est présenté dans le cadre du Festival international du film de Toronto. Il faut attendre le mois de juillet pour qu’il soit distribué aux États-Unis, alors que certains pays (dont la France) ne sont limités qu’à une sortie en DVD. Même si le retour de Carpenter était attendu de longue date, le film n’est pas bien accueilli par la critique, qui juge The Ward comme étant décevant et loin des « classiques » du cinéaste.
Même si les petits budgets l’ont parfois obligé à élaborer à l’avance ses plans de tournage, Carpenter prend la majeure partie du temps ses décisions sur le vif, de manière instinctive. Du coup, il refuse de passer par l’étape du storyboard avant de tourner une séquence. L’une des seules exceptions reste la scène du marchand de glace dans Assaut : Carpenter en a dessiné lui-même tous les plans en amont du tournage. Concernant les répétitions avec les acteurs, le cinéaste y consacre tout au plus deux semaines. Carpenter apprécie de travailler en studio, car tout peut y être contrôlé. Cependant, il estime que les tournages en extérieur « apportent quelque chose d’autre au jeu des acteurs » et aux scènes. Carpenter a réalisé la plupart de ses films en décors naturels. Assaut, Christine, Prince des ténèbres et Invasion Los Angeles ont été tournés presque exclusivement dans la ville de Los Angeles et dans sa proche banlieue. Vampires a été tourné au Nouveau-Mexique et L’Antre de la folie dans la région de l’Ontario, au Canada. Pour The Thing, une partie des séquences a été réalisée en studio tandis que d’autres ont été tournées en Colombie-Britannique.
Tout au long de sa carrière, John Carpenter s’est battu pour obtenir le contrôle artistique de ses films, le fameux final cut. Cela a été rendu possible grâce à sa collaboration avec le cinéma indépendant, qui accorde généralement une certaine liberté aux réalisateurs étant donné que les budgets alloués sont nettement plus faibles que ceux accordés par les grandes sociétés de production. Ce désir de contrôle induit que, sur le plan créatif, John Carpenter est un réalisateur « touche à tout ». Il a cumulé les fonctions les plus importantes sur quasiment tous ses films : metteur en scène, scénariste, acteur, compositeur et producteur. Sur Assaut, il a même assuré le montage. The Ward reste le seul film sur lequel Carpenter n’a pas officié à un autre poste que celui de réalisateur.
Au début du XXe siècle, les perspectives de progrès civil, social et économique se sont ouvertes pour l’Italie. Cependant, le journalisme et l’édition journalistique sont encore fragiles. Par conséquent, certains changements sont nécessaires pour le développement éditorial d’un journalisme.
Le niveau de vie dans les régions les plus développées du pays est élevé comme en Paris. Le réseau ferroviaire est en cours d’extension et le service postal est en cours d’amélioration. La circulation de l’information est accélérée par l’utilisation du télégraphe. Entre 1902 et 1903, les lignes téléphoniques interurbaines Milan – Rome et Milan – Paris sont mises en service.
En 1901, 48,7 % des Italiens étaient encore analphabètes. Sous la direction de Giolitti, ils sont entrés dans une condition de plus grande liberté, même si le droit de vote est reconnu à un nombre limité de citoyens ; il faudra attendre 1913 pour étendre le suffrage à toute la population masculine adulte.Mais dans l’ensemble, la communication par radio est faible, pas d’internet et pas de web.
Il Secolo », « Il Corriere » et le « Tribuna » au début du XXe siècle sont les seuls journaux qui tirent environ 100 000 exemplaires. La presse, en 1906, est remplacée par la Linotype : quatre-vingt-dix sont installées principalement à Milan. À Palerme, en 1900, le journal « L’Ora » est lancé, financé par le propriétaire Florio.
Au début du siècle, la physionomie, la structure et le métier du journal ont changé : il est passé au grand format avec une page divisée en cinq colonnes avec une foliation de six pages et, déjà en 1906, certains journaux « Il Corriere » en tête ont commencé à sortir avec huit pages, quelques fois par semaine.
Le journal est divisé par thèmes avec des titres ad hoc : la chronique de la ville, celle de la justice, à laquelle beaucoup d’espace est attribué, les nouvelles théâtrales, « les très récentes ».
Le roman annexe reste, mais n’apparaît plus en première page. Les nouvelles sportives sont plutôt occasionnelles et succinctes.
Le lundi ne sort pas dans les journaux du matin. La première page ne devient pas la page vitrine que Dario Papa avait essayé d’importer de New York : à la une se trouvent en effet l’information politiques, l’information culturelle et les correspondances d’un envoyé.
Le journal collectif est né, avec pour conséquence la division du métier dans les rédactions. Le rédacteur en chef est le poste hiérarchique le plus élevé dans le journalisme suivi par le rédacteur en chef, qui est son factotum pour la réalisation du métier du journalisme. Les envoyés spéciaux, les reporters et les critiques de théâtre et littéraires sont mis en valeur sur le travail des journalismes.
Le journaliste Stefani continue d’être la seule agence de presse nationale et fonctionne toujours dans des conditions rétrogrades. Pour l’information en provenance de l’étranger, elle a un accord avec le journaliste Wolff, qui est à son tour relié à Reuters. Contrairement aux journaux étrangers, tels que les journaux français, anglais et américains, où la différence entre les journaux de qualité et les journaux populaires est évidente, en Italie, les journaux choisissent la formule « pour tous », tandis que les hebdomadaires d’information et les magazines de variétés opèrent sur la voie de la diversité publique.
Elle accroît la diffusion des presses médias et écrites: la presse média et écrite féminine, de la presse média enfantine et de la presse média pour enfants. Alors que la presse média sportive n’en est qu’à ses débuts. Les premiers hebdomadaires sont consacrés au cyclisme.
C’est en 1896 que « La Gazzetta dello Sport » a été fondée par la maison d’édition Sonzogno, mais ce n’est qu’en 1919 qu’elle a été transformée en un quotidien. En 1908, la Fédération nationale de la presse italienne est née.
En 1900 et 1901 commence une extraordinaire saison de média et de journalisme d’opinion et d’information grâce à des célèbres certaines journalistes. Le journaliste Luigi Albertini, à la tête du « Corriere », le journaliste Alfredo Frassati à la « Stampa » et le journaliste Alberto Bergamini au « Corriere d’Italia ».
Le journaliste Albertini est lié à la droite historique, il sera toujours contre Giolitti et ses méthodes de métier et ses idées. D’un point de vue journalistiques, il s’est inspiré du journalisme anglais, en prenant pour modèle le « Times ». Au Corriere, en quelques années seulement, il dispose d’un réseau dense de correspondants dans les capitales européennes, parmi lesquels celui qui a été mis au jour pendant la guerre russo-japonaise est Luigi Barzini.
Le « Corriere » parvient à devenir en peu de temps le journal le plus riche et le plus précis du pays. En terme d’information, ses journalistes changent sa mise en page, qui devient plus vivante car la division de la page en six colonnes oblige à introduire certains titres, même si la mise en page reste sensiblement austère. Lorsque d’autres journalistes dans divers journaux commencent à publier des photographies, « Il Corriere » n’en publie pas plus de deux par numéro, s’ouvrant plutôt à de nouveaux sujets et informations, comme l’aviation et le sport.
Ce n’est qu’en 1900 qu’Albertini peut ordonner à Romussi (Siècle) de retirer des affiches et des posters les mots « le journal le plus populaire d’Italie ». Après une course-poursuite qui a duré près de trente ans, il dépasse.
Une autre figure marquante du journalisme de l’époque giolittienne est le journaliste Alfredo Frassati, le créateur de la métier de « La Stampa ». Contrairement à Albertini, il soutient Giolitti et différents sont la matrice culturelle et professionnelle. Le journaliste Frassati avait passé trois ans en Allemagne, ses modèles sont donc certains journaux allemands comme le « Frankfurter Zeitung ».
Le journaliste Alberto Bergamini, le troisième homme important de ce début de XXe siècle à la tête du « Giornale d’Italia », est responsable de la création de la troisième page. Bergamini a fait de son métier notamment de son journal une feuille de papier vivante, présentant certaines des intentions « américanisantes » de Dario Papa : l’information et les articles les plus intéressants en première page, des reportages de l’étranger mais aussi une riche chronique de la ville.
Le premier exemplaire de la troisième page de la journalisme est considéré comme celui publié le 10 décembre 1901, dans lequel le journaliste Bergamini réunit quatre articles critiques et d’information consacrés à la première représentation de « Francesca da Rimini » de Gabriele D’Annunzio.
« The Great Gatsby » (titre original « The Great Gatsby ») est le troisième roman de l’écrivain américain Francis Scott Fitzgerald (Saint Paul, 24 septembre 1896 – Hollywood, 21 décembre 1940). Il a été publié pour la première fois le 10 avril 1925 par l’éditeur Charles Scribner’s Sons, bien que l’auteur ait commencé à l’écrire en 1922. Le roman se déroule à New York et à Long Island en 1922. Aux États-Unis, la période de 1920 à 1933 a été marquée par la soi-disant Prohibition, qui a interdit le commerce et la production d’alcool, alimentant ainsi la contrebande. Fitzgerald utilise la technique utilisée par Henry James (1843-1916), selon laquelle il est l’un des personnages de l’histoire. Dans ce cas, le narrateur est Nick Carraway, le voisin de Gatsby.
James Gatz est le fils d’agriculteurs pauvres du Dakota du Nord. Il s’enfuit de chez lui pour essayer de se changer et parvient à gagner la sympathie du riche M. Dan Cody en se faisant engager à bord de son yacht. James adopte le pseudonyme de Jay Gatsby lorsqu’il est envoyé à Louisville pour un entraînement militaire. Il y rencontre et tombe amoureux de Daisy Fay, une riche jeune fille de 18 ans avec laquelle il entrelace une histoire d’amour. Gatsby part à la guerre, mais les deux amants jurent d’abord une fidélité éternelle. Alors qu’il est en Europe en train de se battre, Gatsby apprend que Daisy a épousé Tom Buchanan, un célèbre joueur de football américain de Chicago. À partir de ce moment, le but de Gatsby dans la vie est de reconquérir la femme qu’il aime, à tout prix. Après avoir vécu à Oxford, en Angleterre, pendant un certain temps, il est retourné en Amérique et s’est enrichi grâce à la contrebande et au trafic. Finalement, il a acheté une villa dans le luxueux village de West Egg, sur la rive opposée du village de East Egg, où Daisy et Tom ont leur résidence d’été. Nick Carraway, son voisin, assiste à la vie somptueuse de Gatsby, aux fêtes les plus élégantes et les plus fréquentées qui ont lieu chaque soir, auxquelles le propriétaire n’assiste presque jamais et dont les invités ne sont souvent même pas au courant. Gatsby poursuit en effet son rêve, « la lumière verte », celle qui reflète les lumières de l’autre côté. Lors d’une de ces fêtes, Nick regarde Gatsby tendre la main vers cette lumière.
Tout en étant un conformiste et un puritain, l’exact opposé de Gatsby, Nick reconnaît qu’il est en quelque sorte spécial. Nick est également un parent de Daisy, et découvre que derrière l’apparence d’un mariage tranquille, il y a en fait des problèmes. Tom a une maîtresse, Myrtle, la femme de George Wilson, un mécanicien qui a un garage dans un quartier sordide sur la route de Long Island à New York. Un soir, Nick reçoit également une invitation à la villa de Gatsby et là, grâce à sa connaissance (suite à une brève relation) de l’ami de Daisy, Jordan Baker, il rencontrera Gatsby personnellement. Après quelques jours, Nick reçoit la visite de son voisin, qui lui raconte sa vie et son passé. Gatsby dit qu’il vient d’une famille riche, mais qu’il a été laissé seul car tous ses proches étaient morts. Il ajoute ensuite qu’il a déménagé en Angleterre, et pour convaincre Nick, il lui montre une photo de lui à cette époque. Puis il raconte son expérience de la guerre, quand il est devenu major et a même gagné une médaille. Finalement, Gatsby demande une faveur à Nick : réaliser son souhait et l’aider à rencontrer à nouveau Daisy. Jordan révèle à Nick l’histoire entre Gatsby et Daisy. Jordan et Nick parviennent à les réunir pour le thé. Daisy et Tom sont invités à la prochaine fête de Gatsby, et il est maintenant certain d’avoir reconquis la femme qu’il aime. Chaque après-midi, Daisy se rend à la villa de Gatsby, et il n’attend que le bon moment pour déclarer publiquement qu’elle n’a aimé que lui et n’a jamais aimé Tom, annulant ainsi cinq ans de mariage en un instant. Nick tente de raisonner Gatsby, en essayant de le convaincre que le passé ne peut pas être répété. Mais Gatsby est sûr de ses faits. Jusqu’au jour où, alors qu’ils sont tous dans un hôtel de New York, Tom commence à provoquer Gatsby, et la dispute atteint inévitablement Daisy. Mais lorsque Gatsby lui demande de déclarer devant tout le monde qu’elle l’aime, elle répond : « Vous en attendez trop ».
Sur le chemin du retour, Daisy, au volant de la voiture de Gatsby, écrase Myrtle, qui s’est enfuie de chez elle après que son mari l’ait enfermée parce qu’il la soupçonnait de l’avoir trompée. Myrtle meurt, Daisy retourne voir Tom sans lui dire ce qui s’est passé. Wilson, bouleversé, prend l’arme et va voir Tom pour se venger. Tom révèle plutôt ce qu’il croit, à savoir que la voiture qui a heurté Myrtle était conduite par Gatsby. Wilson se rend ensuite à la villa, où Gatsby se baigne dans la piscine, convaincu que Daisy va arriver d’un moment à l’autre. Wilson le tue et se tire une balle. Nick et les concierges se précipitent, mais il n’y a plus rien à faire. Nick essaie d’appeler Daisy, mais elle et Tom sont partis sans dire où ils vont. Deux jours plus tard, un télégramme arrive du Minnesota, d’un certain Henry C. Gatz, le père de Gatsby, demandant d’attendre son arrivée pour les funérailles. Le jour des funérailles, Nick supplie le ministre luthérien d’attendre l’arrivée de quelqu’un, mais personne ne se présente, sauf un ivrogne, qui est étonné de voir comment tout le monde est venu à ses fêtes quand Gatsby était vivant, mais maintenant, mort, ils le laissent tranquille. Nick croit qu’avec Gatsby, tout rêve est mort, et décide de s’éloigner de là, cherchant désespérément quelque chose qui donne un sens à l’existence. La couverture du roman, tirée du tableau « Celestial Eyes » de Francis Cugat (24 mai 1893 – 13 juillet 1981), est considérée comme l’un des chefs-d’œuvre de l’art américain de l’époque. Il était terminé avant le roman, et Fitzgerald en est tombé tellement amoureux qu’il a déclaré à son éditeur qu’il l’avait « écrit dans le roman ». Selon certaines critiques, l’auteur y a fait référence dans la description d’une enseigne publicitaire près de l’atelier du mécanicien Wilson, après la mort de Myrtle. Selon d’autres, ce serait le regard de Daisy, avec tout ce qu’elle a représenté pour Gatsby.
Le rêve de Gatsby correspond en quelque sorte au rêve américain, le désir de se relever après la crise de 1929. Mais elle correspond aussi en partie à la vie tourmentée de l’auteur, suspendue entre les excès de l’alcool et ceux de sa femme Zelda, entre les aventures avec les femmes, les maladies, les voyages en Europe, le sentiment de solitude imposé par l’histoire, et le désir de s’exprimer par l’écriture. Le sentiment de solitude, d’incommunicabilité et d’indifférence, qui est le thème dominant du roman, peut être résumé dans la dernière phrase : « Nous continuons donc à ramer, bateaux à contre-courant, sans cesse repoussés dans le passé ». En Italie, « Il Grande Gatsby » a été traduit pour la première fois en 1936 par C. Giardini, avec le titre « Gatsby il magnifico », et en 1950 par Fernanda Pivano avec le titre « La grande Gatsby ». Le grand Gatsby au cinéma. La première version cinématographique est le film muet de 1926, suivi par celui de 1949 avec Alan Ladd, et le plus célèbre de 1974, avec Robert Redford et Mia Farrow, réalisé par Jack Clayton et scénarisé par Francis Ford Coppola. Un nouveau film du même nom est sorti en mai 2013, réalisé par Baz Luhrmann, dans lequel Gatsby est joué par Leonardo DiCaprio, et Daisy par Carey Mulligan.
Le mythe d’Orphée et d’Eurydice est connu pour être l’une des plus célèbres de toutes les traditions mythologiques grecques. C’est l’histoire d’amour entre deux jeunes mariés brisé trop tôt. Il s’agit d’Orphée, un très bon musicien et la belle nymphe Eurydice. C’est une histoire émouvante et déchirante qui a toujours fasciné et inspiré les plus grands artistes et écrivains de tous les temps. Il existe de nombreuses versions du mythe, aussi différentes les unes des autres. Les récits les plus célèbres et les plus captivants nous ont été transmis par Virgile dans « les Géorgiens » et par Ovide dans « les Métamorphoses ».
Le mythe Orphée Eurydice, c’est l’histoire d’un couple marié, amoureux et heureux. Orphée était le fils de la muse Calliope et d’Œagre, roi de Thrace. Eurydice était une belle nymphe des arbres. Le bonheur des amoureux dura jusqu’à ce que le jeune Aristée, un fils du dieu Apollon, tombe follement amoureux de cette belle nymphe. Eurydice, cependant, n’a toutefois pas des sentiments pour Aristée. Elle était même presque effrayée par l’attention que ce demi-dieu lui portait.
Un jour, alors qu’elle tentait d’échapper à Aristée, elle est tombée sur un serpent venimeux qui la mordait et la tuait. Orphée, désespéré, décide de descendre aux enfers pour retrouver sa bien-aimée. Le monde souterrain, tel qu’il était annoncé par la mythologie grecque, était plein de dangers. Il n’est d’ailleurs pas facile d’échapper à ces dangers pour les communs des mortels dont Orphée. Il a donc dû passer de nombreuses épreuves pour rencontrer Hadès et Perséphone, le roi et la reine des enfers, les seuls à pouvoir lui rendre sa belle épouse.
Pour sa descente au Royaume des Enfers, Orphée a d’abord dû affronter le terrible Charon, passeur des âmes des morts. Orphée a pu le menotter au son de sa lyre. Puis, avec le même stratagème, il a également réussi à enchanter Cerbère, le chien à trois têtes qui garde l’entrée des Enfers.
Après avoir affronté et surmonté d’autres obstacles, il est finalement pu rencontrer les deux dirigeants du monde souterrain à savoir Hadès et Perséphone. La reine du monde souterrain était alors émue par le courage et l’amour d’Orphée pour sa bien-aimée Eurydice. Celui-ci n’hésitait pas à aller dans un endroit sombre et effrayant pour récupérer sa femme.
Les maîtres des Enfers permettaient alors à Orphée d’amener Eurydice à condition que celui-ci ne lui parle pas et ne se retourne pas jusqu’à atteindre le royaume des vivants.
Les mariés, Orphée devant et Eurydice derrière lui, ont pris ce chemin pour tenter de revenir ensemble au monde des vivants. Ils étaient accompagnés par Hermès, le messager des dieux.
Juste à la sortie des Enfers, Orphée s’est retourné vers sa femme Eurydice, pendant qu’ils avaient atteints le monde des vivants. Eurydice, étant encore sur le territoire des Enfers, a disparu à jamais.
Attristé par la perte désormais irréversible de sa bien-aimée, Orphée a pleuré pendant sept longs mois, continuant à jouer de sa lyre. Les versions des poètes et écrivains sur le mythe Orphée et Eurydice et sur le désespoir du veuf sont d’ailleurs nombreuses.
Selon Virgile, Orphée a été mis en pièces par les femmes des Cicones qui étaient furieuses de la loyauté du jeune homme envers sa défunte épouse. Selon Ovide, Orphée est plutôt mort déchiré par les Ménades,. Ces adoratrices du dieu Dionysos lui en voulaient parce qu’il avait développé une passion pour les hommes.
Cependant, dans toutes les versions, on dit que la tête d’Orphée a continué à chanter après avoir été séparée de son corps et jetée dans le fleuve Ebro. Selon Virgile, Orphée est accueilli dans les Champs Elysées, le séjour de vertueux et des bienheureux.
Comme tous les célèbres mythes grecs, le mythe Orphée Eurydice a été largement représenté dans la peinture, la sculpture et la littérature. Ce récit mythique est par exemple représenté sur le bas-relief conservé au Musée archéologique de Naples. Datant de l’époque romaine, cette œuvre est une copie du bas-relief grec datant de 410 avant J.-C. Cette œuvre d’art représente le couple du fameux mythe Orphée Eurydice accompagné dieu Hermès
Plusieurs représentations sur l’histoire d’amour entre orpheus et eurydice ont également été trouvées sur des vases en terre cuite.
Le mythe Orphée Eurydice a été encore représenté par des peintres tels que Delacroix et Waterhouse.
Dans le domaine de la littérature et de la musique, beaucoup d’œuvres littéraires sont des notamment des reprises modernes du mythe eurydice orphee. En Italie, il est impossible de ne pas mentionner les œuvres revisitées sur l’histoire des enfers eurydice et orphée, surtout celles du XXe siècle réalisées par des grands écrivains. Parmi eux, Cesare Pavese avec ses Dialogues avec Leucò (1947) et Gesualdo Bufalino avec Le retour d’eurydice enfers.
Le récit de la mythologie grecque sur orfeo eurydice raconte notamment une histoire d’amour qui n’a pas pu vaincre la mort. C’est d’ailleurs l’une des raisons pour lesquelles il fait partie des mythes de renom qui traverse le temps et transcende les événements historiques.
L’évangéliste Marc
Qui était Marc ?
L’évangéliste saint Marc est sans doute un compagnon des apôtres Pierre et Paul. Relativement «discret», on ne sait que peu de chose sur son histoire.
Le texte de l’évangile selon saint Marc ne dit rien de son auteur. Ni apôtre, ni homme célèbre, on ne sait rien de saint Marc. La tradition la plus ancienne, remontant à Irénée de Lyon mort en 202, affirme que Marc l’évangéliste était un disciple et un interprète de l’apôtre Pierre.
Les Actes des apôtres parlent d’un certain «Jean», surnommé «Marc», qui était en relation avec Pierre à Jérusalem (Ac 12, 12). Mais plus loin dans le livre des Actes on apprend que ce «Jean»-«Marc» devient un disciple de Paul. Il l’accompagne dans ses missions auprès des gentils -les païens- (Ac 13, 5 ; 15, 37). Saint Paul parle de lui dans sa lettre aux Colossiens (Col 4, 10), le disant proche de lui à Rome; de-même saint Pierre dans sa première lettre (1 P 5, 13) le reconnaît comme étant son ami, présent avec lui dans la capitale de l’Empire.
C’est certain, Marc était proche des deux colonnes de l’Église, pourtant il demeure un personnage secondaire. Bien longtemps l’évangile selon saint Marc est resté dans l’ombre des trois autres : Matthieu, Luc et Jean. Plus court avec seulement 16 chapitres et donc plus concis, ce texte ne s’encombre pas de détails ou d’envolées spirituelles ou théologiques. Il a été écrit pour être appris par cœur et récité lors des assemblées liturgiques.
Les exégètes sont d’accord aujourd’hui pour reconnaître l’évangile selon saint Marc comme étant le plus ancien des quatre textes de l’Évangile de Jésus-Christ.
Le franciscain s’appuie sur le livre L’Explication des paroles du Seigneur de Papias d’Hiérapolis : « Marc qui était l’interprète de Pierre a écrit avec exactitude tout ce dont il se souvenait de ce qui avait été dit ou fait par le Seigneur Jésus Christ. Car il n’avait pas entendu, ni accompagné le Seigneur Jésus Christ mais plus tard, il a accompagné Pierre. Celui-ci donnait ses informations sans faire une synthèse des paroles du Seigneur. De la sorte, Marc n’a pas commis d’erreur en écrivant comme il se souvenait. Mais il n’a eu en effet qu’un seul dessein, celui de ne rien laisser de côté de ce qu’il avait entendu et de ne tromper en rien en ce qu’il rapportait. » Selon la tradition, Marc serait mort martyr en 68 mais on ne connaît pas sa date de naissance. L’animal qui le symbolise est le lion ailé qui représente le courage et l’élévation.
L’évangéliste Marc (St. Mark) était d’origine juive et peut-être d’une famille riche, né en Palestine sous le règne de l’empereur Auguste. Selon des informations remontant à l’époque où il a vécu, en vérité peu nombreuses, Marc était très proche de l’apôtre Paul.
Saint Pierre mentionne aussi souvent l’évangéliste Marc avec affection et familiarité, et il semble en effet qu’il l’ait souvent accompagné dans ses voyages à Rome et en Orient. Selon l’histoire, Marc a été baptisé par Pierre lui-même.
La plupart des universitaires considèrent Marc comme le « sténographe » de Pierre, car il a collaboré avec lui à la diffusion des récits de l’Évangile dans les différentes communautés chrétiennes de Rome. L’Evangile écrit par Marc est schématique et linéaire, son thème principal est la proclamation de Jésus Fils de Dieu et sa Crucifixion et Résurrection. L’Evangile de Marc est réalisé dans le style d’un conte populaire et est très accessible, ainsi qu’assez court (il se compose de seize chapitres).
Adulte, Mark a exercé son apostolat à Alexandrie, où il aurait fondé la première église. Plus tard, il a déménagé à Aquileia. Sa mission est de répandre la parole de Dieu et son Evangile.
Les nouvelles concernant la mort de Saint Marc sont discordantes : selon certaines sources, il s’agissait d’une mort naturelle, pour d’autres, au contraire, le Saint a été martyrisé.
La légende veut que son corps, déchiré par les flammes par les partisans de l’empereur Trajan, ait été amené à Venise en 828 par deux marchands, Rustico da Torcello et Buono da Malamacco. Les reliques du saint martyr ont été placées dans une chapelle, tandis que la basilique qui lui est dédiée a été achevée en 832, et est encore aujourd’hui un merveilleux exemple d’art dans l’architecture.
En 1071, Marc est nommé patron principal de Venise et propriétaire de la basilique, en remplacement de Saint Théodore, vénéré jusqu’alors par les Vénitiens. Le symbole de Saint Marc est un lion ailé portant un livre dans ses griffes dans lequel est écrite cette phrase : « Pax tibi marce evangelista meus », qui est également devenue le blason qui identifie la ville lagunaire. Le culte de Saint-Marc est très répandu dans les églises chrétiennes, mais il est également très pratiqué en Orient.
Le 25 avril, la fête religieuse est célébrée en mémoire de son martyre. Saint Marc a la particularité d’être non seulement un saint, mais aussi un saint évangéliste (il n’y a que quatre évangélistes dans la tradition chrétienne).
Marco est non seulement le patron de la Sérénissime (Venise), mais aussi de 42 autres municipalités en Italie, comme Pordenone. Dans certains de ces endroits, il est co-patron (comme à Cellino San Marco, province de Brindisi).
Le choix de Saint Marc comme patron de Venise est également dicté par un sentiment de prestige : posséder les reliques d’un des évangélistes était à l’époque une source de fierté sur la scène internationale. D’autre part, le lion est aussi un symbole de votre capacité et de votre domination.
Saint Marc est le protecteur des scribes, des notaires, des verriers, des opticiens, de ceux qui peignent sur le verre.
Actualite : Vatican news
A propos de l’évangéliste saint Marc, né d’une famille juive aisée, on sait seulement ce qu’en disent les Actes des Apôtres et certaines lettres des saints Pierre et Paul ; il ne fut pas un disciple du Seigneur, même si quelque auteur l’identifie avec le jeune homme, fils de la veuve Marie, qui, vêtu tout simplement d’un drap, suivit Jésus après son arrestation dans le jardin de Gethsémani. Marc collabora au contraire avec l’apôtre Paul, connu à Jérusalem. Il fut avec lui à Chypre et puis à Rome. En l’an 66 saint Paul depuis sa prison romaine écrit à Timothée : « Prends Marc et emmène-le avec toi, car il me sera utile pour le ministère »
On ne sait pas si Marc réussit à gagner Rome à temps pour assister au martyre de Paul, mais, certainement dans la capitale de l’Empire il se mit au service de Pierre. La Basilique romaine de saint Marc, en plein centre historique, témoigne de sa présence, vu qu’on dit qu’elle a été érigée à l’endroit où se trouvait la maison où vécut l’évangéliste. Pierre cite souvent le nom de Marc. Dans sa Première lettre par exemple, nous lisons : « La communauté qui a été élue est avec moi et demeure en Babylone (Rome) ; et ainsi que Marc mon fils » (1¨Pt5, 13)
Ou encore, dans les Actes des Apôtres, après la « miraculeuse » libération de Pierre de la prison : « après avoir réfléchi, il se rendit dans la maison de Marie, mère de Jean dit aussi Marc, où se trouvait un bon nombre de personnes recueillies en prière » (Ac12, 12)
Après la mort du Prince des Apôtres, on perd les traces de Marc : une ancienne tradition veut qu’il soit évangélisateur en Egypte et fondateur de l’Eglise d’Alexandrie. Une autre tradition rapporte, qu’avant de rentrer en Egypte, il fut à Aquilée pour s’occuper de l’évangélisation de l’aire nord-est de l’Empire. Ici il convertit Ermagore devenu premier évêque de la ville. En quittant Aquilée, il semble qu’en raison d’une tempête il accosta aux îles Réaltines, noyau originaire de la future Venise. Dans le sommeil il vit un ange qui lui promit qu’en cette terre il aurait dormi dans l’attente du dernier jour.
L’évangéliste Marc mourut probablement entre 68 et 72, peut-être martyre à Alexandrie d’Egypte. C’est ainsi que l’écrivent les Actes de Marc au IVème siècle : le 24 avril, la corde au cou, il fut trainé par les païens à travers les rues d’Alexandrie. Jeté en prison, il fut réconforté par un ange mais le lendemain il subit la même torture atroce et mourut. Son corps était destiné aux flammes, mais il en fut sauvé par des fidèles et il fut enterré dans une grotte. D’où, au Vème siècle il fut transféré dans une église. Selon une légende de 828, deux marchands vénitiens auraient emporté, sous la menace des Arabes, le corps dans la cité de Venise où il est conservé aujourd’hui dans la Basilique qui lui est dédiée. Certaines de ses reliques sont conservées aussi au Caire, en Egypte, dans la cathédrale de Saint Marc, siège du patriarche copte orthodoxe Twadros II.
Le lion et l’évangéliste Marc
La tradition chrétienne a rapidement identifié les évangélistes aux « quatre vivants » de la vision du prophète Ézéchiel. C’est pour cette raison que les évangélistes sont souvent représentés ou accompagnés par le symbole qui leur est associé : le lion pour Marc, l’homme ou l’ange pour Matthieu, le taureau pour Luc et l’aigle pour Jean.
Le logo de la paroisse Saint-Marc reprend ainsi le symbole du lion associé à saint Marc
En France, Saint-Marc-Jaumegarde est une commune française située dans le département des Bouches-du-Rhône, en région Provence-Alpes-Côte d’Azur. Ses habitants sont appelés les Saint-Marcais. Les formes anciennes du nom de la commune sont Sanctus Marcus, en 1004, ou Marchus, en 1168.
Parmi les romans les plus célèbres de l’écrivain Jack London, on trouve « L’appel de la nature » ou « L’appel de la forêt ». Le livre a été publié pour la première fois en 1903. En Italie, la première publication remonte à 1924. Dans ce livre, l’écrivain London montre sa foi dans l’évolutionnisme biologique et la toute-puissance de l’environnement. Avec The Call of the Forest, l’auteur ramène tout le monde à la vérité primordiale de la nature et de la vie. Celle qui se caractérise par « l’odeur âcre et sauvage de l’instinct » qui règne au-dessus de tout. Le personnage principal de l’histoire, le chien Buck, est le personnage le plus aimé parmi ceux mentionnés dans le roman. Ce qui le fait tomber amoureux, c’est sa capacité à faire preuve d’amour et de gratitude, mais aussi son endurance obstinée qui lui permet de surmonter les vicissitudes qui l’attendent. L’histoire se déroule d’abord en Californie, précisément dans la vallée de Santa Clara. Puis, à mesure que l’intrigue se déroule, nous nous déplaçons vers d’autres endroits.
Le livre « L’appel de la forêt » s’ouvre sur les vicissitudes de Buck, qui passe sa vie de manière sereine et insouciante, dans le luxueux manoir de la villa du juge Miller. Nous sommes en Californie, dans la vallée de Santa Clara. Sa vie se déroule de façon heureuse mais aussi monotone jusqu’à ce qu’un beau jour, un jardinier nommé Manuel le kidnappe pour le vendre à des marchands de chiens.
Le jardinier le kidnappe parce qu’il apprend que dans la région du Klondike au Canada, il y a une demande croissante de chiens forts capables de tirer des traîneaux, tout cela en raison de la frénésie de la « fièvre de l’or » due à la découverte de nombreux gisements dans cette région. C’est pourquoi il décide de vendre le pauvre Buck. À partir de ce moment, la vie de Buck a changé de façon spectaculaire.
Le méchant jardinier vend le chien à un homme peu aimable qui l’envoie dans un wagon de marchandises à destination de San Francisco. Plus tard, Buck est confié aux mains d’autres marchands de chiens qui le transfèrent, toujours par train, à Seattle. A son arrivée, Buck est mis en garde à vue et emprisonné par un homme impitoyable qui, dans une sorte d’entrepôt, le force à obéir à ses ordres sous les coups d’un bâton.
Ensuite, le voyage du pauvre Buck se poursuit jusqu’au Canada, au nord du Klondike. Au cours de ce voyage, il se retrouve avec d’autres chiens, dont le petit chien nommé Curly. Buck, arrivé au terme du voyage, se trouve confronté à tous les problèmes drastiques que cette nouvelle tâche et le climat rude lui proposent.
La situation dans « L’appel de la forêt » s’effondre lorsque la meute de chiens nouvellement débarquée est attaquée par d’autres chiens en colère. Le pire est l’ami chien Curly, qui est tué par un chien nommé Spitz. Buck est choqué par la scène qu’il regarde impuissant. Mais ce qui s’est passé déclenche son instinct de survie. Buck jure de ne plus jamais être écrasé par personne et de faire tout son possible pour garder sa « fourrure » en sécurité.
Pendant ce temps, Buck est confié à deux facteurs travaillant pour le gouvernement canadien, François et Perrault. Il est employé comme chien de traîneau. Au début, il a quelques difficultés à s’adapter à sa nouvelle vie, mais plus tard, il découvre qu’il aime cette vie de chien de traîneau sauvage, qui ne lui fait connaître que « la loi de la chauve-souris et de la défense ».
Avec le temps, Buck apprend à combattre les adversaires les plus redoutables, à se procurer sa propre nourriture et même à dormir dans la neige les nuits glaciales d’hiver. Entre Buck et Spitz, le chien de tête de l’équipe, une violente rivalité s’installe immédiatement, qui se traduit rapidement par un duel.
C’est Buck qui prend le dessus, en tuant Spitz. Buck prend sa place en tant que chien de tête du groupe. Grâce à lui, le groupe a toujours une bonne conduite. La situation prend une mauvaise tournure lorsque, au cours d’un voyage, un des chiens de sa combinaison tombe malade et que le conducteur du traîneau est malheureusement contraint de mettre fin à ses jours. Les chiens, étant un de moins, sont de plus en plus fatigués et épuisés car ils sont obligés de porter des charges très lourdes et de faire de longs trajets.
Les deux postiers décident alors de confier les chiens, dont Buck, à un groupe de chasseurs d’or américains. Ils s’appellent Charles et Mercedes. Mais eux aussi se révèlent inaptes à gérer la situation. Les deux hommes ont commencé leur voyage en surchargeant leur traîneau. Chaque fois que la combinaison ralentit, ils continuent à battre les chiens avec leurs massues.
Ayant planifié leur voyage de la pire des façons, à mi-chemin, ils se retrouvent avec de la nourriture pour les pauvres animaux qui devient rare. A un moment donné, les réserves de nourriture s’épuisent. Seuls cinq chiens sur quatorze parviennent au camp de John Thorton. La glace ne fait qu’aggraver les choses. La glace, à un moment donné, aspire les humains et les animaux.
Le pauvre Buck est secouru par le chercheur d’or John Thorton. Buck lui rendra la pareille en le sauvant à plusieurs reprises d’une mort certaine. Buck devient ainsi le chien de Thorton. Un épisode captivant dans lequel Buck donne à son maître un prix de 1 600 $ en argent… Buck parvient à tirer seul un traîneau de 1 000 livres.
Buck et son maître se dirigent vers l’est à la recherche d’une mine abandonnée à la lisière d’une forêt. Ici, Buck commence à entendre « l’appel de la forêt ». Il décide de quitter le camp de base de Thorton et de se diriger vers la forêt. De retour au camp, il découvre que son maître, ainsi que d’autres compagnons, a été tué par des Indiens Yeehats. A ce moment, le brave Buck cherche à se venger et tue les Indiens Yeehats qui avaient commis ce terrible crime.
Buck, maintenant seul, décide de passer le reste de ses jours dans la forêt. Il rejoint une meute de loups, dont il devient bientôt le chef.
Le livre « L’appel de la forêt » a connu un grand succès tant au niveau du public que des critiques. C’est l’un des classiques pour enfants les plus lus de son époque et jusqu’à aujourd’hui. Aujourd’hui encore, elle est souvent choisie comme lecture éducative pour les enfants.
Plusieurs éditions du livre de Jack London ont été publiées dans différentes langues. De nombreuses adaptations cinématographiques et télévisuelles inspirées de « L’appel de la forêt » ont également été réalisées. Parmi ceux qui sont consacrés au grand écran, on se souvient des films homonymes The Call of the Wild de 1972 (de Ken Annakin) et 1996 (de Peter Svatek), dans lesquels le protagoniste John Thornton est incarné respectivement par Charlton Heston et Rutger Hauer.
Ce livre de Londres précède de quelques années un autre de ses chefs-d’œuvre qui a toujours un chien et ses aventures dans le froid : White Fang (Croc blanc) de 1906.